VeloTalent

Czym jest program VeloTalent?
Czym jest program VeloTalent?

VeloTalent jest programem mecenatu nad szczególnie utalentowanymi, młodymi przedstawicielami różnych dziedzin, prowadzonym przez VeloBank. W swoich założeniach ma doceniać i wspierać osoby wchodzące na szczebel profesjonalnej kariery o zasięgu międzynarodowym. Program wyróżnia wybitnych artystów, naukowców oraz sportowców, których cechuje ogromna pracowitość i zaangażowanie wkładane w rozwijanie pasji.

Galeria
Galeria
Galeria

II edycja trwa

II edycja trwa

Mając na uwadze ust. 24 Regulaminu Programu VeloTalent, ze względów organizacyjnych, przedłużamy terminy poszczególnych etapów:

  • termin nadsyłania zgłoszeń – do 15 maja (etap I),
  • głosowanie, wyłonienie finalistów – do 5 czerwca (etap II),
  • wyłonienie zwycięzcy - do 10 czerwca (etap III). 

Zmiany zostały ujęte w aktualnym brzmieniu Regulaminu.

Zagłosuj

Zagłosuj

Na Twój głos czekamy do 5 czerwca 2024 r. do godz. 10:00

Kandydaci

Aftyka Michał

Michał Aftyka - kontrabasista, kompozytor, improwizator. Student Wydziału Jazzu studiów II stopnia w AM im. K. Szymanowskiego w Katowicach, absolwent Wydziału Jazzu ZPSM im. F. Chopina w Warszawie. Laureat nagrody Fryderyk za płytę Michał Aftyka Quintet „Frukstrakt”. Płyta otrzymała również nominację do prestiżowej nagrody Deutsche Jazzpreis w kategorii „Debut Album of The Year - International”. Zespół Michał Aftyka Quintet to również laureaci Grand Prix Konkursu Muzyki Improwizowanej „Współbrzmienia” oraz „Jazzowego Debiutu Fonograficznego” organizowanego przez Narodowy Instytut Muzyki i Tańca. Obecnie zespół pracuje nad materiałem na drugą płytę, której premiera jest zaplanowana na jesień 2024r. Michał Aftyka współtworzy również wiele znaczących zespołów młodego pokolenia muzyki improwizowanej w Polsce, z którymi nagrał już ponad 10 płyt, zdobył liczne nagrody na polskich i zagranicznych konkursach jazzowych a także koncertował w renomowanych miejscach na całym świecie. 

Aftyka.jpg [143.09 KB]

 

O projekcie

Nagranie płyty z kompozycjami Michała Aftyki na specjalnie na tę okazję utworzony zespół o roboczej nazwie „Orkiestra Dnia Poprzedniego” - kameralnej orkiestry (15-16 osób) poruszającej się na pomiędzy jazzem, wolną improwizacją i współczesną muzyką poważną. Główna idea projektu to czas - jego względność, niejednoznaczność, podatność na nakładanie wielu struktur na raz. Jest to (zarówno robocza nazwa orkiestry jak i główna idea) nawiązanie do książki „Wyspa Dnia Poprzedniego” włoskiego pisarza Umberto Eco, który w intrygujący sposób ukazywał mylne postrzeganie upływu czasu i jego właściwości. Do współtworzenia tego projektu Michał zamierza zaprosić młodych wybitnych muzyków, którzy poza wybitnym opanowaniem instrumentu są też niezwykle czułymi współtwórcami kolektywnych improwizacji. 

Al Pari Quartet

Al Pari Quartet w składzie: Elżbieta Rychwalska-Dobrowolska - wiolonczela, Dominik Kossakowski - skrzypce, Alicja Miruk-Mirska - skrzypce, Magdalena Maier-Borowska - altówka, to kwartet smyczkowy założony w 2017 roku, związany z Akademią Muzyczną im. Karola Szymanowskiego w Katowicach i Accademia Walter Stauffer w Cremonie. Od samego początku istnienia zespołu jedną z jego głównych idei jest promowanie kameralnej twórczości kompozytorów polskich oraz muzyki najnowszej, co artyści nieustannie realizują podczas licznych koncertów w kraju i za granicą. Al Pari ma na swoim koncie występy na wielu międzynarodowych festiwalach - Międzynarodowy Festiwal FIMU w Belfort (Francja), Międzynarodowy Festiwal Muzyki Słowiańskiej w Ostrawie (Czechy). Podczas Ticino Musica Festival w Lugano oraz Guimaraes Clasico w Portugali, zespół odbył rezydencje artystyczne ukoronowane łącznie kilkunastoma festiwalowymi koncertami. 
AlPari.jpg [291.64 KB]

 

O projekcie

W ramach programu kwartet chce zrealizować nagranie i wydanie albumu z trzema dziełami kompozytorów polskich: Triptyque Aleksandra Tansmana, IV Kwartet Smyczkowy Grażyny Bacewicz, III Kwartet Smyczkowy Na polskie tematy ludowe Szymona Laksa. Muzyka na płycie o roboczym tytule Echoes skupia się wokół motywów tradycyjnej muzyki polskiej - tańców charakterystycznych, pieśni ludowych i jej niepowtarzalnego temperamentu. Kompozytorzy tych dzieł to twórcy, którzy w XX wieku byli wybitnymi osobowościami artystycznymi, wielokrotnie nagradzanymi i uznanymi w środowisku muzycznym. Ideą stojącą za wyborem akurat tych utworów jest wspólna dla nich wszystkich ekspresja, pewien rodzaj ludowego nieokrzesania, ale też ujmująca sentymentalna prostota. Dodatkowo dotychczas nie wydano albumu z zestawieniem dokładnie tych kompozycji.

Baczewski Beniamin

Kompozytor, aranżer, sound designer, multiinstrumentalista. Urodzony w 1991 roku w Gdańsku. Ukończył studia w klasie klarnetu, kompozycji oraz kompozycji muzyki filmowej i teatralnej w Akademii Muzycznej w Gdańsku. Jego utwory wykonywane są na całym świecie, m.in. w Brukseli, Bolonii, Genui, Loures, na Wyspach Kanaryjskich, a także w Warszawie, Krakowie, Katowicach, Poznaniu, Gdańsku, Sopocie, Opolu, Łodzi. Zwycięzca lub finalista polskich i zagranicznych konkursów kompozytorskich. Laureat 13 programów stypendialnych m.in. Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego, ZAiKS, zwycięzca plebiscytu „Młody Twórca w Dziedzinie Kultury”, organizowanego przez miasto Gdańsk. Autor muzyki do 14 spektakli teatralnych, 3 filmów krótkometrażowych i 6 gier. Współpracował z wieloma instytucjami takimi jak Opera da Camera di Roma, Warszawska Opera Kameralna, Opera Bałtycka. Aranżował koncerty telewizyjne dla TVP 2, TVP 3 i Republika TV oraz festiwalowe: BMW Jazz Club, Ladies Jazz Festival. 
Beniamin B.jpg [235.96 KB]

 

O projekcie

Projekt zakłada nagranie oraz wykonanie koncertowe I Symfonii Beniamina Baczewskiego przez min. 68-osobową orkiestrę symfoniczną. Jest to jeden z najnowszych utworów autora, ukończony w br. Realizacja projektu zakłada próby, sesje nagraniowe oraz koncert. Symfonia jest jednym z najważniejszych gatunków w muzyce klasycznej, a dla Beniamina, jako młodego kompozytora, jest ona wyrazem jego najgłębszej ekspresji artystycznej. To opus magnum, które odzwierciedla doświadczenia, inspiracje i marzenia. Nagranie i wydanie jej na płycie CD oznacza nie tylko dokumentację jego twórczego rozwoju, ale także możliwość podzielenia się swoją muzyką z szeroką publicznością. Nagranie symfonii z udziałem pełnej orkiestry symfonicznej to przedsięwzięcie wymagające znacznych nakładów finansowych. Niewielu młodych kompozytorów ma możliwość zrealizowania takiego projektu bez wsparcia z zewnątrz. Dlatego też, każde wsparcie będzie miało kluczowe znaczenie dla powodzenia tego projektu.

Baliński Marcel

Marcel Baliński, pianista, kompozytor, animator kultury. Artysta wrażliwy społecznie. Od 7-go roku życia kształcony w klasie fortepianu klasycznego. Absolwent Wydziału Jazzu Akademii Muzycznej im. Grażyny i Kiejstuta Bacewiczow w Łodzi oraz Wydziału Kompozycji w szwajcarskim Hochschule der Kunste Bern w klasie Django Bates’a. Od lat aktywnie koncertuje w Polsce (m.in. NOSPR, NFM Wrocław, Filharmonia Szczecińska) i za granicą (m.in. Pakistan, Szwajcaria, Wielka Brytania, Francja, Niemcy, Hiszpania, Luksemburg, Węgry). Na swoim koncie posiada siedem albumów studyjnych. Za album „Opalenizna i Wiatr” zespołu Marcel Baliński Trio nominowany był do Fryderyków 2023 w kategorii Fonograficzny Debiut Roku Jazz. Płyta „Jerry&The Pelican System” ukazała się w legendarnej serii „Polish Jazz” wydanej nakładem Warner Music/Polskie Nagrania. Promotor życia kulturalnego w Łodzi. W 2016 roku powołał do życia instrumentalne jam sessions w klubie KIJ w Łodzi, odbywające się po dzień dzisiejszy.
Baliński.jpg [89.57 KB]

 

O projekcie

Współgłosy to autorski projekt Marcela Balińskiego - polskiego kompozytora, pianisty i animatora kultury - w którego skład wchodzi chór osób z niepełnosprawnościami intelektualnymi oraz trio jazzowe, składające się̨ z uznanych polskich muzyków jazzowych młodego pokolenia. W tej unikatowej na polskim rynku muzycznym formule, grupa wykonuje kompozycje na chór i zespół, w których tradycyjne, zapisane elementy dzieła muzycznego są równoważone przez fragmenty improwizowane. Dotychczasowe koncerty zespołu - na 43. Przeglądzie Piosenki Aktorskiej we wrocławskim Teatrze Capitol oraz w Studiu Koncertowym im. Henryka Debicha Polskiego Radia Łódź - zgromadziły dużą publiczność, która bardzo entuzjastycznie zareagowała na jego artystyczną ofertę. Po trzech latach koncertów, prób i pracy z chórzystami w ramach łódzkich Warsztatów Terapii Zajęciowej „Frajda”, projekt jest gotowy do debiutu fonograficznego, dzięki któremu dotrze do szerszego kręgu odbiorców. 

Banaś Anna

Grę na wiolonczeli rozpoczęła w wieku 10 lat w Szkole Muzycznej w Bytomiu. Po dwóch latach nauki zaczęła wygrywać ważne konkursy: 3 miejsce w Ogólnopolskim Konkursie Młodych Wiolonczelistów we Wrocławiu. Została laureatką ponad 30 międzynarodowych i ogólnopolskich konkursów w Polsce, Kanadzie, Rosji, Hiszpanii, Szwajcarii, Serbii, we Włoszech i na Węgrzech, zdobyła m.in. II Nagrodę  Italian International Cello Competition, I miejsce w Konkursie Kameralnym Soroptimist Italia, I miejsce w konkursie Koncertu Solowego z Orkiestrą w Bolzano, III nagrodę w Międzynarodowym Konkursie im. Michała Spisaka w Dąbrowie Górniczej, II miejsce i Nagrodę Specjalną Fundacji ProCello w IX Międzynarodowym Konkursie Wiolonczelowym im. K. Wiłkomirskiego w Poznaniu, I miejsce IV Międzynarodowego Festiwalu Muzyki Współczesnej Srebrna Szybka w Krakowie, zwycięstwo w II Konkursie podczas XXIII Letniej Akademii Muzycznej w Żaganiu, I miejsce w Caprices Competition na Morningside Music Bridge w Kanadzie. 

 

O projekcie

Projekt Anny ma na celu zarejestrowanie i wydanie, w jednej ze znaczących wytwórni fonograficznych jaką jest Brilliant Classics, profesjonalnego nagrania zawierającego twórczość pokolenia '51 na wiolonczelę. Częścią projektu byłoby także przeprowadzenie cyklu koncertów w szkołach i ośrodkach kultury, będących nie tylko promocją nagrania, lecz mających na celu przybliżanie publiczności prezentowanych im treści oraz zaznajamianie ich z rodzimą historią i kulturą muzyczną poprzez wykłady przed i w trakcie koncertu. Pomysł projektu zrodził się podczas pisania dysertacji oraz przygotowywania prezentacji pracy doktorskiej, którą Anna miała szansę obronić w ubiegłym roku, a której tematem jest działalność jednego z wybitnych polskich kompozytorów - Aleksandra Lasonia. Oczywiście pisząc na temat wyżej wymienionego twórcy Anna miała okazję bardzo dobrze zbadać twórczość i zapoznać się z pozostałymi kompozytorami generacji stalowowolskiej, których dzieła wywarły na niej ogromne wrażenie.

Banaszek Jakub

Kuba Banaszek – pianista, kompozytor, aranżer, pedagog. Ukończył z wyróżnieniem Akademię Muzyczną w Krakowie w klasie fortepianu jazzowego dra hab. Joachima Mencla. Ponadto jest absolwentem Zespołu Szkół Muzycznych w Radomiu. Od 2020 jest nauczycielem fortepianu jazzowego w Szkole Muzycznej im. Bronisława Rutkowskiego w Krakowie. W 2018 oraz 2022 roku był jednym z prelegentów międzynarodowej konferencji Jazz XXI organizowanej w Akademii Muzycznej w Krakowie. Wyróżniony na School & Jazz Festival w Lubaczowie (2013), a także na Azoty Jazz Contest w Tarnowie (2013). Uczestnik projektu JazzO (Warszawa 2013). Zdobywca III nagrody na II Festiwalu Improwizacji i Interpretacji Jazzowej „Jazz na Wsi” (Chodów, 2013). Wraz ze swoimi kompozycjami inspirowanymi muzyką ludową występował na II Festiwalu Kontrolowanym w Radomiu (2014). Laureat I nagrody IX Przeglądu Młodych Wykonawców Muzyki Jazzowej – Novum Jazz Festival (Łomża, 2016). W 2020 roku został stypendystą Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego.  
Banaszek.jpg [219.75 KB]

 

O projekcie

Po ciepło przyjętym debiucie fonograficznym zespołu Kuba Banaszek Quartet - Band of Brothers, chciałbym stworzyć oraz wydać nowe dzieło muzyczne, które w swojej koncepcji nie będzie ograniczone środkami wyrazowymi mniejszych zespołów jazzowych, takich jak kwartet, czy trio. W związku z powyższym podzieliłem swój projekt na dwie, istotne składowe: pierwsza z nich dotyczy poszerzenia instrumentarium klawiszowego, druga zaś instrumentarium w ogóle. Jeszcze jako student Akademii Muzycznej w Krakowie, zacząłem eksplorować możliwości wyrazowe współczesnego pianisty jazzowego. Zainteresowania zaprowadziły mnie do realizacji swoich idei w nowych zespołach, w których korzystam z elektronicznego instrumentarium - the ancimons, Alan Wykpisz Project, czy też Unit 11, czyli duet z Kacprem Kaźmierskim, z którym uzyskaliśmy wsparcie stypendialne "Młoda Polska", które pozwoliło mi na zakup potrzebnych instrumentów, a zatem poszerzenie brzmienia wykonawczego, jak i warsztatu kompozytorskiego.  

Baum Zuza

ZUZA BAUM - wokalistka, rapująca tekściarka, flecistka, ale i osobista producentka. Artystka, która wybrała swoje miejsce w branży muzycznej, gdzieś pomiędzy jazzem, soulem, a hip hopem. Studentka Akademii Muzycznej w Krakowie, w klasie fletu jazzowego, absolwentka Szkoły Muzycznej II stopnia w Krakowie. Swoją drogę muzyczną rozpoczęła w 2020 roku, kiedy z własnej i Bartka Leśniaka (pianista, producent, leader zespołu Horntet) inicjatywy powstał kolektyw Atlantyda La5er. Już w 2020 roku, artystka zadebiutowała także solowo jako ZUZA BAUM singlem “Project Away (prod. Bartek Leśniak)”. Debiutancki utwór, wydany własnym sumptem przez artystkę, w niespełna 3 miesiące osiągnął kilkadziesiąt tysięcy odsłuchów w serwisach streamingowych. W lipcu 2023, wraz z zespołem The Ancimons, Zuza otrzymała nagrodę Grand Prix na festiwalu Ladies Jazz w Gdyni. Urszula Dudziak, będąca przewodniczącą komisji Grand Prix określiła Zuzę jako „(...)Nowy Jork w Polsce”. 
Baum.jpg [183.23 KB]

 

O projekcie

W ramach stypendium chciałabym nagrać oraz wydać płytę mojego zespołu The Ancimons. W proces wydawniczy wchodzi także wytłoczenie krążka, wydanie video live sesji promującej krążek oraz zainwestowanie w promocję płyty w internecie i social mediach. Moja muzyka to garść emocji opakowanych w miks soulu, jazzu i hip hopu, coś w czym każdy może znaleźć cząstkę siebie. Po dużych produkcjach wideo, takich jak wydane w 2022 roku Get Home (które realizowałam w ramach Stypendium Twórczego Miasta Krakowa), czy wydane pod koniec zeszłego roku River, planuję skupić się i w całości poświęcić tworzeniu tego co dla mnie najważniejsze, czyli muzyki. Możliwość pracy scenicznej pod okiem takich tuz muzyki jak Adam Sztaba oraz Nikola Kołodziejczyk tym bardziej zmotywowała mnie do działania. Do współpracy nad materiałem chciałabym zaprosić dotychczas pracujący ze mną zespół The Ancimons oraz kwartet smyczkowy i gospelowy zespół wokalny. 

Binkowska Natalia Anna

Natalia Anna Binkowska jest malarką i kitesurferką. Zajmuje się malarstwem. Interesuje się animacją, video, VR i instalacją multimedialną. Ukończyła Malarstwo na ASP im. E. Gepperta we Wrocławiu w Pracowni Profesora Normana Smużniaka w 2020 roku. Mieszka i tworzy w rodzinnym mieście Łodzi. Trenuje Rock'n'Rolla, interesują ją relacje międzyludzkie oraz aspekt zgłębiania połączenia umysłu z ciałem podczas wykonywania zaplanowanych lub improwizowanych, figur w rytmie muzyki. W pracowni kontempluje nad kolorem i gestem malarskim przy wielkoformatowych obrazach. Zbiera notatki podróżując za łyżwiarzami, szkicując umykające w pędzie tańczące pary. Obrazuje charakter emocji na papierowych zwojach poprzez rysowane intuicyjnie, pośpiesznie czy ekspresyjnie sylwetki postaci. “Wartości emocjonalne, poprzez pracę w materii malarskiej, przenoszę do sfery istnienia “poza czasem”, tzw. “wiecznego teraz”. Taniec jest dla mnie uwolnieniem umysłu od napięć, jest odnajdywaniem wolności, jest wyzwalający. Jest pewną mistyczną formą wypowiedzi, bliską poezji i muzyce. 
Binkowska.jpg [157.98 KB]

 

O projekcie

Realizacja serii prac malarskich wielkoformatowych o tematyce sportu, ruchu w czasie i przestrzeni. Ekspresyjne gesty i i kolorystyczne plamy, obrazy malowane w sposób figuratywny oscylujący i żonglujący z abstrakcją w celu oddania dynamiki ruchu. Prace w ilości 6 o wymiarach około 300 cm na 200 cm w technice tempery żółtkowej i farby olejno-żywicznej. Dwa tryptyki. 3 obrazy dające się czytać jako jeden spójny, jednocześnie każdy może funkcjonować jako osobny obraz - nawiązujący do tematyki tańca na lodzie w parach tanecznych na podstawie zebranych już szkiców podczas zawodów łyżwiarskich. 3 obrazy – tryptyk nawiązujący do sytuacji nadchodzącej olimpiady w Paryżu i dyscyplin sportowych. 2 animacje, każda po minucie w nawiązaniu do łyżwiarzy jedna i druga nawiązująca do dyscyplin na Olimpiadzie 2024. Animacje w konwencji animacji „Woda i wiatr. Człowiek i latawce”. Wystawa, która mogłaby powstać poprzez realizację serii obrazów i animacji jest spójną całością prezentującą aktywność i ruch człowieka przez cały rok i cykl pór roku.

Borczyk Klaudia

Pisze piosenki wierszem, śpiewa sercem. Wokalistka, kompozytorka, autorka tekstów piosenek, chórzystka, instruktorka wokalna. Absolwentka Akademii Muzycznej im. Karola Szymanowskiego w Katowicach na kierunku wokalistyka jazzowa w (2018), Krakowskiego Instytutu Sztuki Wokalnej (2016) oraz Akademii Dźwięku (produkcja muzyki, 2024). Uczestniczka Inkubatora Tak Brzmi Miasto (management artysty) w 2021 roku. W lutym 2023 wydała pierwszy singiel pt.Bez Pszczół, dzięki któremu nawiązała współpracę koncertową oraz promocyjną jako artystka z Fundacją Apikultura (organizacja działająca na rzecz ochrony pszczół). W czerwcu 2023 pojawił się drugi singiel Pokrzywy. Najnowszy, trzeci singiel pt.Bez pojawił się na najważniejszych playlistach Spotify: New Music Friday Polska, Fresh Finds Polska, Alternatywna Polska, EQUAL Polska. Autorka tekstów oraz kompozytorka swoich piosenek, pomysłodawczyni, realizatorka i montażystka teledysków dotychczas wydanych singli. 
Borczyk.jpg [199.53 KB]

 

O projekcie

Przedmiotem projektu jest nagranie sześciu utworów słowno-muzycznych autorstwa Klaudii Borczyk, które zostaną wydane w postaci mini albumu muzycznego (epki), we współpracy ze studiem nagraniowym Sound and Wave. Piosenki w języku polskim, zachowane w nurcie muzyki indie pop z inspiracjami muzyką soul i folk, zarejestrowane w formie mini albumu, którego wydanie cyfrowe byłoby zaplanowane na 2025 r.

Broda Sabina

Sabina Broda to wokalistka, kompozytorka, autorka tekstów oraz producentka muzyczna. Ukończyła wokalistykę jazzową na Akademii Muzycznej im. 
F. Nowowiejskiego w Bydgoszczy. Pod pseudonimem sskjegg wydała dwie płyty - solową ,,(m)ała” oraz w duecie z producentem Korneliuszem Flisiakiem płytę ,,samotności”. W duecie sskjegg wystąpiła podczas koncertu Debiuty 59KFPP w Opolu - zespół był laureatem konkursu NCPP. W duecie również zagrali support przed zespołem Afromental w Cieszynie. Sabina zagrała podczas festiwali takich, jak Kino na Granicy czy Before YASS.
 

Jako solowy projekt  brokat dopiero rozpoczyna swoją przygodę. Pojawiające się single znajdują swoje miejsce na playlistach edytorskich Spotify (np. Fresh Finds Polska)

Broda.jpg [170.03 KB]

 

O projekcie

Sabina Broda zgłosiła teledysk i mix do utworu ,,lunapark” piosenkę o byciu outsiderem, który kocha muzykę i nie potrafi angażować się w relacje, bo to właśnie związek z muzyką zawsze wygrywa. To również utwór o niezrozumieniu, zagubieniu i ciągłym poszukiwaniu tak zwanego dopasowania do świata, który stale stwarza nam ciśnienie na bycie ,,w punkt”. Sabina kocha być sobą i to chcę dać ludziom zrozumienie, że bycie sobą jest super. 

Chałupka Wojciech

Wojciech to utalentowany kompozytor i saksofonista, urodzony w 1999 roku. Jako laureat ponad 60 nagród na konkursach kompozytorskich oraz instrumentalnych zyskał uznanie w Polsce i za granicą. Studiuje na Zürcher Hochschule der Künste w klasie kompozycji prof. F. Baumana oraz na Uniwersytecie Muzycznym Fryderyka Chopina w Warszawie pod kierunkiem dr hab. D. Przybylskiego, prof. UMFC. Jest czterokrotnym stypendystą Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego i programu „Młoda Polska”. W 2022 roku w Złotej Sali Musikverein w Wiedniu odbyła się premiera jego utworu The Ancient Night na saksofon sopranowy, akordeon i orkiestrę symfoniczną. W czerwcu 2024 roku w Warszawie jego utwór Le Grand Bal na saksofon i orkiestrę został wykonany przez Orkiestrę Filharmonii Narodowej. W 2023 płytaWarszawa Saxophone Orchestra debut, na której znalazł się jego utwór, otrzymała nagrodę fonograficzną Fryderyk. Otrzymał też Dyplom Srebrny na konkursie Muzyczne Orły 2023 za utwór The Ancient Night”. 
Chałupka.jpg [100.73 KB]

 

O projekcie

Celem jest nagranie i wydanie albumu prezentującego twórczość saksofonową Wojciecha Chałupki. Album będzie zawierał różnorodne utwory, które będą łączyć się poprzez saksofon obecny w każdym z nich. W repertuarze znajdą się kompozycje takie jak Lux in Tenebris na saksofon altowy solo, Le Grand Bal na saksofon altowy i fortepian, Eris na kwartet saksofonowy, Eternal Song na saksofon barytonowy, 4 Caprices na saksofon altowy oraz Umbria na saksofon sopranowy i live electronics. Saksofon, będący elementem łączącym wszystkie utwory, podkreśli spójność i głębię całego albumu, zachęcając słuchaczy do refleksji i odkrywania nowych emocji poprzez muzykę i ten szczególny instrument. Album ten będzie stanowił wizytówkę prezentującą jego działalność kompozytorską i artystyczną, otwierając nowe możliwości współpracy oraz prezentacji dzieł na arenie międzynarodowej. Ponadto, dzięki promocji albumu, będę miał okazję propagować saksofon jako instrument solowy o niezwykłym potencjale artystycznym.  

Chyła Tomasz

Tomasz Chyła, dyrygent, skrzypek, kompozytor. Silnie związany z trójmiejskim środowiskiem artystycznym. Aktywnie działający na płaszczyźnie muzyki jazzowej oraz chóralistyki. W 2013 roku założył Tomasz Chyła Quintet. Sukcesy zespołu rozpoczęły się od zajęcia I miejsca podczas IX Europejskich Integracji Muzycznych w Żyrardowie w 2013. Zespół następnie zdobył Grand Prix na 40. Międzynarodowym Konkursie Młodych Zespołów Jazzowych Jazz Juniors w Krakowie w 2016 roku. Zespół ma na koncie pięć płyt: "Eternal Entropy" 2017r., (nominacja Akademii Fonograficznej do nagrody muzycznej Fryderyki 2017 w kategorii Muzyka Jazzowa, nominacja: Fonograficzny Debiut Roku), "Circlesongs" 2018, (nominacja Akademii Fonograficznej do nagrody muzycznej Fryderyki 2018r. w kategorii Muzyka Jazzowa za najlepszy album jazzowy roku) Tomasz Chyła Quintet - Live at Polish Radio 3, 2019, „da Vinci” 2021 , oraz „Music We Like To Dance To” 2023,(nominacja Akademii Fonograficznej w kategorii Album Roku).  
Chyła.jpg [86.26 KB]

 

O projekcie

Nagranie płyty z gościnnym udziałem znakomitego saksofonisty ze Stanów Zjednoczonych. Tomasz Chyła Quintet feat. Kebbi Williams - Journey (tytuł roboczy). Projekt byłby realizowany przez fundację Alpaka Records, która wydałaby ten album. 

Derej Hania

Hania Derej ma 19 lat. Jest kompozytorką, pianistką, dyrygentką. Studiuje dyrygenturę symfoniczną na Akademii Muzycznej w Krakowie oraz kompozycję i aranżację jazzową w Conservatorium van Amsterdam. Jestm autorką ponad 100 kompozycji, z których część została zarejestrowana na ośmiu płytach, m.in. w studio nagraniowym Polskiego Radia Katowice. Tworzy muzykę w różnych stylach, w tym z gatunku muzyki jazzowej, kameralnej, elektronicznej i filmowej (m.in. w ramach Warsztatów Kompozycji Muzyki Filmowej w Gdyńskiej Szkole Filmowej z Janem A.P.Kaczmarkiem). Jest laureatką nagród kompozytorskich, w tym np. Nagroda specjalna za kompozycje i aranżacje jazzowe w ramach Junior Jazz Festiwal 2023 w Wadowicach, czy też Nagroda „Młody Kompozytor 2021 i 2022” ufundowana przez Związek Kompozytorów Polskich w Warszawie podczas XVI i XVII Międzynarodowego Forum Pianistycznego „Bieszczady bez granic”. Obecnie skupia się na wydaniu płyty jazzowej „Hania Derej Quintet” ze swoimi kompozycjami. 
Derej.jpg [115.41 KB]

 

O projekcie

Hanna skupia się na wydaniu albumu jazzowego „Hania Derej Quintet” z jej kompozycjami. Jest to jej już 8. płyta. Materiał został nagrany w pażdzierniku 2023 w studio Polskiego Radia Katowice. Autorka otrzymała m.in. propozycję współpracy z holenderską wytwórnią ZenneZ Records, która ma swoją siedzibę niedaleko Amsterdamu i to właśnie pod jej szyldem ma zostać wydana płyta. Premiera będzie miała miejsce 21 czerwca 2024, a daty ukazania się dwóch poprzedzających ją singli to 3 maja i 31 maja. Pierwszy singiel pt. „Busy Day” dostał się na prestiżowe playlisty w Polsce i zagranicą, np. „New Music Friday Polska”, „Fresh Finds Polska” i „Fresh Finds Jazz” (USA). Jednocześnie planowana jest ogólnopolska promocja medialna tej płyty w branżowych mediach oraz promocja w Holandii. Projekt, którego dotyczy wniosek to organizacja trasy koncertowej na terenie Europy.

Dragan Sara

Sara ma 24 lata i jest jedną z najbardziej obiecujących skrzypaczek swojego pokolenia. W 2023 roku ukończyła z wyróżnieniem Akademię Muzyczną im. K.Lipińskiego we Wrocławiu, aktualnie studiuje w Escuela Superior de Musica Reina Sofia w Madrycie w klasie legendarnego profesora Zakhara Brona.  Pomimo młodego wieku, Sara zdobyła I miejsce/Grand Prix na 60 konkursach skrzypcowych w Europie, Azji oraz USA, m.in. na Międzynarodowym Konkursie Młodych Skrzypków im. H. Wieniawskiego & K. Lipińskiego, David Oistrakh International Violin Competition, Novosibirsk International Violin Competition, New York International Artists Association Competition, International G. P. Telemann Violin Competition, International Global Music Partnership Competition oraz wielu innych. W 2022 roku Sara Dragan podjęła współpracę z jedną z najbardziej prestiżowych agencji na świecie – Columbia Artists International (NYC). Podczas amerykańskiej trasy jako solistka wykonała koncerty Wieniawskiego i Czajkowskiego wraz z Maestro Wojciechem Rodkiem i Orkiestrą Filharmonii Lubelskiej. 
Dragan.jpg [265.08 KB]

 

O projekcie

Projekt polega na nagraniu płyty, która obejmuje ukochane utwory kompozytorów, którzy byli przede wszystkim pianistami. Pomimo ich sławy i reputacji, kompozytorzy tacy jak Chopin, Liszt i Rachmaninow nigdy nie napisali żadnej znaczącej muzyki z udziałem skrzypiec. Pomimo braku oryginalnych utworów na skrzypce, ich styl pisania jest często idealny dla tego instrumentu, z pięknymi liniami melodycznymi, które przypominają ludzki głos. Co zaskakujące, podjęto niewiele prób transkrypcji tej muzyki na skrzypce.  Celem tego albumu jest transkrypcja kilku głównych dzieł tych kompozytorów z fortepianu solo na duet skrzypcowo-fortepianowy (Sara Dragan oraz pianista Kenny Broberg). Nie tylko dałoby to skrzypkom nigdy wcześniej nieosiągalny dostęp do geniuszu tych kompozytorów, ale także zaprezentowałoby te utwory w inny sposób, który dodałby wglądu w już dobrze znaną muzykę i literaturę. Album skupiałby się wokół Walca Mefista nr 1 Franza Liszta: The Dance in the Village Inn. 

Dworniczak Kacper

Kacper Dworniczak, jest gitarzystą klasycznym. Swoją przygodę z muzyką zaczął w wieku sześciu lat, gdy poszedłem na pierwszą lekcję gitary. Ukończył Poznańską Ogólnokształcącą Szkołę Muzyczną I stopnia i w 2014 r. zdał egzaminy wstępne do Szkoły Muzycznej II stopnia im. Jadwigi Kaliszewskiej, potocznie zwaną „Poznańską Szkołą Talentów”. Obecnie studiuje na Kunstuniversitat Graz w Austrii w klasie dwóch  wybitnych profesorów: Łukasza Kuropaczewskiego i Paolo Pegoraro. Od ósmego roku życia stawiał swoje pierwsze kroki na scenie jako solista i startował w konkursach muzycznych. Z czasem koncertowanie stało się ważną stroną jego muzycznej drogi. Swoje pierwsze laury osiągnął na konkursie gitarowym w Słupcy w 2010 r. W 2018 r. został wybrany do programu „Młody Muzyk Roku”, organizowanym przez MKiDN i TVP. Jako finalista tego konkursu wykonał Concierto de Aranjuez J. Rodrigo podczas koncertu finałowego w Studiu Koncertowym Polskiego Radia, wspólnie z Orkiestrą Polskiego Radia pod dyrekcją Michała Klauzy. W 2019 r. zadebiutował w nowojorskiej Carnegie Hall. 
Dworniczak.jpg [181.75 KB]

 

O projekcie

Celem projektu jest realizacja albumu muzycznego Journeys. Będzie to muzyczna podróż po świecie pełnym emocji, przeżyć, zaskakujących rozwiązań muzycznych, nowatorskiego spojrzenia na grę na gitarze klasycznej. Odbiorca pozna gitarę klasyczną z zupełnie innej strony, zarówno ze względu na różnorodność stylów muzycznych, jak i na technikę gry. „Journeys to połączenie światów i gatunków muzycznych. W moim życiu muzycznym doświadczałem tego wiele razy, począwszy od nauki w szkołach muzycznych, poprzez studia za granicą, występy na przeróżnych scenach w Polsce (np. Studio koncertowe Polskiego Radia, Opera Poznańska, Filharmonia Gdańska, Cavatina Hall), za granicą (np. Carnegie Hall w Nowym Jorku), aż po współpracę z Andrzejem Piasecznym w projekcie „Jeszcze zanim święta”. Od dawna wiem, że chciałbym pokazać światu „moją wersję gitary klasycznej”, czego efektem ma być właśnie nagranie różnego typu utworów w nowatorskich aranżacjach.  

Gadomski Piotr

Piotr od wczesnych lat przejawiał zainteresowanie sztuką, zwłaszcza muzyką, teatrem i tańcem. Naukę tego ostatniego rozpoczął już w wieku lat 12. Początkowo interesował go hip hop i taniec komercyjny, później szkolił się w kierunku tańca współczesnego i jazzu. Ukończył wiele kursów i warsztatów na terenie całej Polski. W trakcie tych szkoleń spotkał się z dziesiątkami instruktorów i tancerzy z całego świata. Na swoim koncie ma wiele nagród zdobytych podczas licznych przeglądów i konkursów, m.in. I i III miejsce w Ogólnopolskim Turnieju Zespołów Tanecznych „Stonoga” w Chojnowie (2013, 2014) oraz dwukrotnie I miejsce w Dziecięcym i młodzieżowym przeglądzie tanecznym Dolnego Śląska „Lubin Dance” w Lubinie (2013, 2014). W 2019 rozpoczął edukację w Akademii Teatralnej im. Aleksandra Zelwerowicza w Warszawie, Filia w Białymstoku na kierunku aktorskim o specjalności aktorstwo teatru lalek. Od 2019 aktywnie angażuje się w liczne projekty filmowe.
Gadomski.jpg [116.98 KB]

 

O projekcie

Krótkometrażowy film o kilku pożegnaniach, poruszający temat procesu przechodzenia przez żałobę, wykorzystujący taniec oraz teatr ożywionej formy jako główne środki wyrazu. Koncept tego filmu rodził się w Piotrze przez ostatnie dwa lata. Film poruszy temat pożegnania i rozdzieli to zjawisko na trzy płaszczyzny - pożegnanie z drugą osobą, następnie pożegnanie z pewną wersją siebie i na koniec pożegnanie z dotychczas znanym nam otaczającym światem. Film opowie również o temacie zmiany - o tym, że zmiana związana jest z wielkim wyzwaniem i trudem, ale, że jest w niej coś dobrego. Jest w niej możliwość kroku naprzód. W filmie autor użyje swojego 12-letniego doświadczenia tanecznego oraz umiejętności animacyjnych związanych z teatrem ożywionej formy nabytych podczas studiów. Teatr ożywionej formy w tym projekcie polegać będzie na prowadzeniu dialogu z częściami garderoby oraz scenografii (płaszcz, szafa), które animowane technikami lalkowymi, będą pełnoprawnymi uczestnikami tej rozmowy. 

Gębaczka Marta

Marta jest multidyscyplinarną projektantką graficzną działającą w Szczecinie. Studiuje grafikę projektową na studiach magisterskich Akademii Sztuki w Szczecinie. Licencjat ukończyła w 2023 roku również na tej uczelni. W lipcu 2023 roku obroniła pracę na 6 z wyróżnieniem. Jej praca przedstawiała serię 12 typograficznych plakatów na temat zaburzeń psychicznych, które wykonała w formie statycznej oraz dynamicznej (wydruk i animacja, która była również wykonana za pomocą techniki VR, co oznacza, że wydrukowane plakaty można było wyświetlać w aplikacji w wersjach animowanych). Jej projekty niejednokrotnie brały udział w wystawie „Międzynarodowe Konfrontacje Plakatu Studenckiego w Tarnowie”. Profesorowie uczelni artystycznych dokonują najpierw wewnętrznej selekcji i wysyłają tam najlepsze projekty swoich podopiecznych. W 2022 roku był tam prezentowany mój projekt plakatu animowanego, a w tym roku na wystawie znajdą się plakaty statyczne (drukowane) jak i animowane. 
Marta_Gebaczka_1.jpg [1.28 MB]

 

O projekcie

Przedmiotem projektu Marty jest aplikacja do samobadania piersi. Samobadanie stanowi pierwszy, podstawowy krok w profilaktyce raka piersi – może wykryć chorobę, gdy stan jej zaawansowania rokuje szanse wyleczenia. Pozwala na zauważenie najmniejszych zmian w strukturze, kształcie i wyglądzie piersi. W prototypie przedstawiony jest proces samobadania oraz dodatkowe, przydatne funkcje. Aplikacja powstała zarówno dla kobiet jak i mężczyzn, ponieważ obydwie płcie są narażone na raka piersi. Użytkownik krok po kroku jest prowadzony przez proces samobadania. Stworzenie takiej aplikacji byłoby redeasignem istniejącej już aplikacji lub stworzeniem nowej od podstaw. Potrzebny jest zespół programistów, który wdrożyłby projekt w życie. Aplikacja miałaby średni poziom zaawansowania. Aplikacje o średniej złożoności zazwyczaj tworzone są na 2 lub 3 platformy (web, Android, iOS). Tworzenie systemów o średniej złożoności zajmuje zwykle od 3 do 6 miesięcy, przy założeniu optymalnej wielkości zespołu. 

Głowacki Bartosz

Bartosz Głowacki, akordeonista określany przez Fionę Maddocks z The Observer jako wszechstronny, pełen charyzmy, charakteryzujący się niezwykłą troską o jakość dźwięku. Jego wyjątkowy talent przyniósł mu wiele międzynarodowych zwycięstw w konkursach, w tym prestiżowy tytuł Polskiego Młodego Muzyka Roku w 2009 roku. Bartosz miał również zaszczyt reprezentowania Polski na Konkursie Eurowizji dla Młodych Muzyków w Wiedniu w 2010 roku. Pod kierunkiem Grzegorza Bednarczyka i profesora Andrzeja Smolika, Bartosz doskonalił swoje umiejętności w Państwowej Szkole Muzycznej w Sanoku, a dalej rozwijał swoje muzyczne wykształcenie w The Royal Academy of Music w Londynie, gdzie uczył się u Owena Murraya. W 2016 roku ukończył uczelnię z tytułem magistra z wyróżnieniem, otrzymując dodatkowo Regency Award oraz DIP RAM za wybitny wynik egzaminu dyplomowego. Jako solista Bartosz występował w renomowanych scenach koncertowych na całym świecie.
Głowacki (1).jpg [277.31 KB]

 

O projekcie

Projekt jest ambitnym przedsięwzięciem muzycznym, które ma na celu połączenie bogatej ekspresji akordeonu z majestatycznym brzmieniem orkiestry symfonicznej. Nagranie albumu, który będzie zawierać dzieła Mikołaja Majkusiaka, duńskiego kompozytora Martina Lhose oraz Jonathana Dove’a jest synergicznym połączeniem nowoczesnych brzmień w tradycyjnej formie. Utwory idealnie oddają możliwości techniczne i wyrazowe akordeonu. Ponadto łączą dwóch żyjących kompozytorów Polski, Danii i Wielkiej Brytanii. Concerto Classico Mikołaja Majkusiaka jest na stałe wpisany w kanon literatury muzycznej instrumentu natomiast Northern Lights Jonathana Dove’a jest inspirowany zjawiskiem zorzy polarnej, obrazem muzycznym pełnym kolorów i wspomnień Sir Petera Maxwella Davisa, któremu pośmiertnie ten utwór jest dedykowany. Koncert In Liquid Martina Lhose jest niezwykłym przykładem połączenia czystych i statycznych brzmień ubranych w wielowarstwową, pofragmentowaną strukturę.  

Goleniak Jacek

Jacek urodził się w 2000 roku. Jest studentem V roku Organizacji Sztuki Filmowej i Telewizyjnej w Państwowej Szkole Filmowej, Telewizyjnej i Teatralnej w Łodzi. Zdobywca Stypendium Rektora na każdym roku studiów wyższych. Podczas swojej edukacji wielokrotnie podejmował się realizacji etiud szkolnych, pełniąc role: kierownika produkcji, asystenta operatora kamery, montażysty dźwięku, kierownika planu oraz reżysera. W roku 2021 podjął się reżyserii krótkometrażowego filmu pt. Tylko drgnij, który odniósł sukces na licznych festiwalach filmowych tj.: Nagroda Główna w Konkursie Młodzieżowym - Międzynarodowy Festiwal Filmów "Maksymiliany" (2022) oraz Nagroda Publiczności - Fresh Form Film Festival (2022). W 2023 roku pod jego kierunkiem powstał także krótkometrażowy film dokumentalny Czekam, o problemie komunikacji zbiorowej w Polsce. W tym samym roku dzięki stypendium Samorządu Województwa Mazowieckiego dla studentów uczelni artystycznych, wyreżyserował film Święty spokój.
Goleniak.jpg [243.87 KB]

 

O projekcie

Jacek planuje nakręcić film dokumentalny, który opowie o polskiej influencerce. Jest to często krytykowana grupa społeczna, ale przede wszystkim łatwo narażona na hejt. Autor chce pokazać, że zawód - influencer to nie tylko robienie zdjęć i przyjmowanie płatnych współprac. To nieprzespane noce, prowadzenie firmy, pasja i mierzenie się z atakami. Jacek sam siedzi głęboko w tym świecie i chciałby swoim filmem uświadomić ludzi - kim tak naprawdę są influencerzy. Jako operator kamery nad filmem będzie pracował Paweł Traczyk. Wspólnie z Jackiem stworzyli już trzy filmy, każdy w innej estetyce. Paweł jest również wykwalifikowanym operatorem steadicamu.

Gorayska Krystyna Joanna

Krystyna Gorayska urodziła się w 2002 roku w Warszawie. W 2021 ukończyła ZPSM im. Karola Szymanowskiego nr 4 w Warszawie na wydziale fortepianu klasycznego. Od 2021 roku jest studentką Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w Hadze. Od września 2023 roku jest również uczestniczką BredaPhoto international Talent Development Programme założonego przez festiwal Breda Photo, gdzie od opieką mentorską pracuje nad projektem związanym z archiwum jej rodziny sięgającym 1860 roku. W 2023 roku ukończyła fakultet z pisania kreatywnego na Uniwersytecie w Leiden. Dodatkowo, w 2020 roku uczęszczała do Warszawskiej Szkoły Fotografii i Grafiki oraz otrzymała stypendium Erasmus+ dla młodych profesjonalistów kultury, na realizację nauki w Helsing Conservatory w Finlandii. Głównym medium jej prac są instalacje audiowizualne, fotografie oraz dźwięk. Jej prace publikowane były między innymi w magazynie i-D (Wielka Brytania), JANE Magazine (Australia), Galerii Delphian London (Wielka Brytania).  
Krystyna.jpg [172.82 KB]

 

O projekcie

Przedmiotem projektu jest praca składająca się z instalacji audio i video oraz fotografii w formie odbitek. Planowana realizacja kwestionuje życie w syntezie ze światem wirtualnym. Składałaby się z poetyckich fotografii interpretujących elementy wpływające na oczyszczenie i regeneracje funkcji poznawczych. Projekcja wideo i audio pokazana byłaby w pokoju, który wypełnia film inspirowany japońską techniką kąpieli leśnych oraz dźwięków nagranych w polskich lasach. Przebywanie w nich uspokajałoby i zmuszało do zastanowienia się nad codziennymi przyzwyczajeniami związanymi z higieną mediów społecznościowych.

Grażyńska Zofia

Zofia Grażyńska - tancerka, pedagog, choreograf. Absolwentka Ogólnokształcącej Szkoły Baletowej w Poznaniu, Uniwersytetu Muzycznego Fryderyka Chopina w Warszawie – kierunki pedagogika baletowa oraz choreografia i teoria tańca. Solistka zespołu tanecznego w Teatrze Muzycznym w Poznaniu. Od 2014r. występuje w takich tytułach jak: Jekyll and Hyde, Zakonnica w Przebraniu, Pippin, Virtuoso - jako Polska, Kombinat - Dżenis, Piękna i Bestia, Deszczowa Piosenka - jako Zgrywus/Solistka i innych. W 2017 roku nagrodzona stypendium artystycznym przez kapitułę Rady Miasta Poznania. W 2020 roku laureatka do nagrody Medali Młodej Sztuki oraz nominowana w XIV edycji Teatralnych Nagród Muzycznych im. Jana Kiepury w kategorii - Najlepsza Tancerka (pozostałe formy taneczne). Gościnnie występowała na deskach scen: filharmonii w Berlinie, Teatrze Wielkim w Poznaniu w spektaklach: Romeo i Julia, Dziadek do Orzechów, Pan Twardowski, udział w koncertach dyplomowych, w Teatrze Narodowym w Warszawie, w Izraelu, z tytułu wymiany uczniowskiej ze szkołą Ironi Alef High School. 
Grazynska.jpg [76.53 KB]

 

O projekcie

Niniejszy wniosek jest prośbą o wsparcie finansowe w celu odbycia kursu Professional Training Program I: Foundations u The Verdon Fosse Legacy w. Kurs odbywa się od 8 lipca do 19 lipca w 2024 roku. Pierwszy etap jest warunkiem przystąpienia do kolejnych etapów w nadchodzących latach.  Są to: Professional Training Program II: TRIPLE THREAT oraz Professional Training Program III: STAR QUALITY. Celem programu treningowego składającego się z trzech kursów jest przyswojenie zarówno stylu Bob Fossee® & Gwen Verdon Legacy, jak i rozwój własnej świadomości ciała, indywidualności scenicznej przy silnym wzmocnieniu umiejętności merytorycznych współpracy z zespołem. Kurs obejmuje lekcje z tańca klasycznego, FOSSE® Jazz, tańca indyjskiego, Afro-Carrabean, Flamenco, rytmiki oraz aktorstwa, ale przede wszystkim naukę kultowych choreografii z repertuaru FOSSE®. Kurs jest unikatowym doświadczeniem, dlatego chciałabym zostać pierwszą osobą w Polsce specjalizującą się w FOSSE® Jazz. 

Hoang Dong Fryderyk

Artysta łączący w twórczości style muzyczne ze świata, zręcznie miesza elementy muzyki klasycznej z rozrywkową, akustyczną z elektroniczną oraz tradycyjną z nowoczesną. To wszystko w polsko-wietnamskim zderzeniu kultur. Od młodego wieku jeździł na konkursy pianistyczne, zdobywając prestiżowe nagrody. W 2010 roku wygrał Międzynarodowy Konkurs im. F. Chopina w Singapurze. Ukończył z wyróżnieniem Akademię Muzyczną im. I.J.Paderewskiego w Poznaniu w klasie fortepianu, gdzie otrzymywał stypendium rektora w każdym roku akademickim. Jest również absolwentem wydziału Reżyserii dźwięku (UMFC w Warszawie) oraz ukończył kierunek fortepianu jazzowego w najbardziej prestiżowej na świecie uczelni muzycznej, Berklee College of Music w Bostonie, USA. Podczas studiów był członkiem jednego z najważniejszych kolektywów - Berklee Indian Ensemble, kierowanego przez Annette Philip. Z grupą tą nagrał płytę „Shuruaat, która została nominowana do nagrody Grammy w kategorii Best Global Album w 2023 r. 
Fryderyk.jpg [279.94 KB]

 

O projekcie

Celem projektu Fryderyka jest nagranie, wydanie i promocja płyty z autorskim materiałem pod szyldem artystycznym „Fryderyk HD”. Pierwszy album pt. „Sounds Good” wydany wiosną 2021 r. zyskał wiele pozytywnych recenzji zarówno w Polsce (m.in. Jazzsoul.pl, Era Jazzu, Donos Kulturalny, JazzPress), jak i na arenie międzynarodowej (m.in. gazety z Australii „Dingo Jazz”, Holandii „Jazzist”, USA „All About Jazz” i wiele innych). Od tamtego czasu słuchacze i krytycy wypatrują jego nowych utworów i wydawnictw. Realizacja kolejnej płyty będzie naturalnym krokiem dla rozwoju kariery i utwierdzeniu pozycji Fryderyka, jako pianisty i kompozytora jazzowego. Album będzie się składał z dziesięciu kompozycji, które stylistycznie są zgodne z jego tożsamością twórczą jako kompozytora i pianisty tworzącego w nurcie modern/fusion jazz. Cały materiał jest już ukończony jeżeli chodzi o proces twórczy (kompozycje i aranże), wsparcie VeloTalentu potrzebne będzie w wydaniu i promocji jego płyty. 

Janocha Michał

Michał to urodzony w 1990 roku kompozytor, dyrygent, artysta dźwiękowy. Autor muzyki kameralnej, symfonicznej, elektroakustycznej, instalacji dźwiękowych, muzyki teatralnej i operowej. Ukończył z wyróżnieniem studia w Akademii Muzycznej im. Paderewskiego w Poznaniu na kierunkach: kompozycja i dyrygentura symfoniczna. Studiował kompozycję elektroakustyczną w Poznaniu i Budapeszcie. W roku 2019 otrzymał stopień doktora sztuki (kompozycja), temat:  „Współczesne systemy wielokanałowej projekcji dźwięku jako środek wyrazu artystycznego”. Kilkukrotny uczestnik kursów mistrzowskich Peter Eötvös Contemporary Music Foundation w Budapeszcie (pedagodzy: Peter Eötvös, Georges Aperhis, Unsuk Chin, Gregory Vajda). Dodatkowo rozwijał swój warsztat  kompozytorski i dyrygencki u takich artystów jak: Marco Stroppa, Ramon Lazkano, Ondřej Adamek, Agata Zubel, Leon Botstein, Tadeusz Strugała, Ajtony Csaba, Vykintas Baltakas, Karlheinz Essl, Andrea Szigetvári, Anna Korsun, Helena Tulve, Gyula Fekete.
Janocha.jpg [165.19 KB]

 

O projekcie

Celem projektu objętego mecenatem będzie koncert oraz wydanie płyty z muzyką orkiestrową autorstwa aplikującego artysty. Kompozytor wystąpi również w roli dyrygenta podczas koncertu, a także w trakcie nagrań płyty. Podczas koncertu zaprezentowane zostaną utwory, które zostaną wykonane po raz pierwszy. Oprócz orkiestry, do wykonania zaproszeni zostaną też soliści-śpiewacy. Jednym z ciekawszych aspektów projektu będzie zestawienie „klasycznego” instrumentarium wokalnoinstrumentalnego z nowoczesnymi technologiami tworzenia muzyki elektronicznej i elektroakustycznej. Projekt obejmie wykonanie i nagranie trzech kompozycji na orkiestrę, solistów i elektronikę: „Myśl zawieszona” na trio jazzowe i orkiestrę, „Myśl syntetyczna” na dwa mezzosoprany, tenor, baryton, elektronikę i orkiestrę, „…myśli i pejzaży” na sopran, orkiestrę i elektronikę. 

Jura Aleksander

Aleksander Jura. Fotografia to mój sposób na życie. Moja pasja sięga głęboko – już od dziewięciu lat, gdy pierwszy raz wziąłem aparat rodziców do ręki, wiedziałem, że to właśnie to, czym chcę się zajmować. Jestem samoukiem, który eksploruje świat poprzez obiektyw. Moja pasja nabrała rozpędu, gdy dołączyłem do redakcji magazynu "Magiel" podczas studiów w 2018 roku. To był moment, kiedy zrozumiałem, że fotografia to nie tylko pasja, ale i mój sposób na wyrażenie siebie i opowiedzenie historii. Koniec 2019 roku był kluczowy – wtedy kupiłem swój pierwszy własny aparat, który otworzył przede mną nowe możliwości twórcze. Następne lata to czas zdobywania wyróżnień i doświadczeń – trzy nagrody ogólnopolskie w konkursie OKFS oraz trzy międzynarodowe wyróżnienia w konkursie Discover. Jednak jednym z najbardziej ekscytujących momentów w mojej karierze było uczestnictwo jako fotograf w Pucharze Świata w Zjeździe Narciarskim FIS w Val Gardenie w latach 2021, 2022 i 2023. To tam, wśród emocji sportowych i przyrody, mogłem uchwycić chwile pełne dynamiki i pasji. 
Jura.jpg [185.51 KB]

 

O projekcie

Projektem, który chciałbym wystawić jest wystawa w Centrum Nauki Kopernik, współorganizatorką jest Katarzyna Mykietyn z kwartalnika Presto. Szacowany koszt wystawy moich zdjęć astrofotograficznych to 30 000pln jednak są to jedynie szacunki w skład których wchodzi wydruk prac w różnych technologiach (około 7-8 tyś pln), zakup obiektywu do dokończenia wystawy (2700 pln) oraz wynajem sali, catering i organizacja wernisażu. 

Kołsut Bartosz

Bartosz Kołsut – perfekcjonista, charyzmatyczny i wszechstronny akordeonista. Charakteryzuje się głęboką wrażliwością i emocjonalnym zaangażowaniem w każdej interpretacji dzieła muzycznego. Ponadprzeciętne umiejętności wykonawcze, bogactwo środków wyrazu połączone z błyskotliwą wirtuozerią i przemyślaną interpretacją pozostają zawsze właściwościami fascynujących prezentacji artystycznych tego muzyka. Jego talent i umiejętności zostały docenione na festiwalach i znaczących konkursach muzycznych w wielu krajach świata. Najwyższe laury zdobywał również na festiwalach we Włoszech, Hiszpanii, Niemczech, Austrii, Wielkiej Brytanii, Polsce, Czechach, Słowacji, na Litwie i wielu innych. Spektakularnym osiągnięciem Bartosza Kołsuta jest dwukrotny występ w Carnegie Hall w Nowym Jorku. Jest współzałożycielem duetu Face2Face od 2020 roku, którego nagrania utworów muzyki klasycznej zostały odtworzone miliony razy, między innymi za pośrednictwem mediów społecznościowych stacji radiowej Classic FM. Wykonania duetu są również częścią ścieżki dźwiękowej w produkcjach filmowych dla HBO. 

Kołsut.jpg [155.62 KB]

 

O projekcie

„Muzyczny trop” jest unikalnym oraz innowacyjnym projektem, którego głównymi celami są promocja muzyki klasycznej w mediach społecznościowych, stymulowanie kreatywności wśród najmłodszych słuchaczy, jak również propagowanie akordeonu jako instrumentu koncertowego. Projekt składa się z dwóch etapów. Pierwszy z nich zakłada przygotowanie, zaaranżowanie oraz zrealizowanie profesjonalnych nagrań audiowizualnych arcydzieł muzyki klasycznej. Drugim etapem jest organizacja oraz wykonanie 16 tematycznych koncertów w publicznych szkołach podstawowych w miejscowościach poniżej 20000 tysięcy mieszańców w 4 województwach Polski - lubelskie, łódzkie, mazowieckie, świętokrzyskie. Unikalną cechą koncertów dla najmłodszej publiczności będzie zróżnicowany repertuar - zaprezentowane zostaną arcydzieła najwybitniejszych kompozytorów w historii, w autorskich aranżacjach oraz wirtuozowskich wykonaniach. Koncerty mają na celu ukazać publiczności cechy charakterystycznej muzyki jaką jest uniwersalność, zapoznać z kulturą i muzyką z odmiennych krajów świata. 

Kordowska Sara

Sara Kordowska to przede wszystkim artystka muzyki pop-alternatywnej, pisze teksty i kompozycje dla siebie i innych wokalistów. W 2019 roku zdobyła nagrodę Czwórki Polskiego Radia „Będzie Głośno” i w ramach wygranej wydała pierwszy album długogrający Wszystko i Nic. Od tego czasu zagrała podczas różnych festiwali w tym konferencjach showcase’owych: NextFest (wcześniej Springbreak), Spotlight Music Festival czy Sea You Music Showcase 2024. Podczas ostatniego z nich była prelegentką w panelu ZAIKS dotyczącego nowych technologii w muzyce, dzieląc się własnym doświadczeniem procesu twórczego. Drugą płytę wydała z niezależną wytwórnią Niebieski Label i sama zorganizowała trasę koncertową pod tytułem Matki Wynalazku (2023). Jej najpopularniejszy utwór na serwisach streamingowych osiągnął ponad 640 tys. odsłuchań. Została laureatką konkursu Wrzeszcz do Mikrofonu (Radio Gdańsk, Peron 5), czy Maraton Piosenki Osobistej. 
Sara.jpg [331.19 KB]

 

O projekcie

Projekt Sary to muzyczna live sesja, zarejestrowanie (audio-wideo) czterech utworów autorskich (dwóch z płyty Matki Wynalazku - Kukułki oraz Oko), dwóch niepublikowanych utworów skomponowanych z myślą o sesji, w poszerzonym o kwartet smyczkowy składzie instrumentalnym oraz umieszczenie nagrania na serwisach streamingowych i platformie YouTube. Sara Kordowska chciałaby stworzyć poszerzone aranżacje z bajkową scenografią, które pozwoliłyby doświadczyć jej muzyki w innym wymiarze niż dotychczas. W internecie można znaleźć urywki ze sceny lub nagrania ze studia z udziałem Sary, ale jej marzeniem jest zbudowanie nowego świata dla odbiorcy, korespondującego z jej szalonymi strojami i charakteryzacjami. Przestrzeń industrialna korespondowałaby z leśnymi dodatkami, dźwiękami smyczków, które chociaż pojawiają się na płycie, nigdy nie brały udziału w koncercie Sary Kordowskiej. Byłoby to zamknięcie etapu Matek Wynalazku i zaproszenie do kolejnych rozdziałów twórczości Sary. 

Kowal Jagoda

Nazywam się Jagoda Kowal, jestem tancerką, tegoroczną absolwentką V Liceum Ogólnokształcącego we Wrocławiu oraz od piętnastu lat uczennicą Szkoły Baletowej przy Fundacji CAPITOL. Balet od dziecka był moim marzeniem, a dzięki ciężkiej pracy od wielu lat osiągam sukcesy w konkursach na szczeblu międzynarodowym. Moja przygoda z baletem zaczęła się, gdy miałam zaledwie trzy lata. Miałam szczęście stawiać pierwsze kroki w mojej obecnej szkole baletowej, gdzie szybko zauważono mój talent i pasję do tańca. Z czasem treningi stały się coraz bardziej zaawansowane, a pedagodzy coraz bardziej wymagający. W wieku 11 lat zdecydowałam, że taniec klasyczny to dziedzina, z jaką chcę całkowicie wiązać swoją przyszłość. Ciężka praca i determinacja zaczęły przynosić owoce. Pierwszym dużym sukcesem było zakwalifikowanie się na finały mistrzostw świata Dance World Cup odbywających się w Rumunii w 2014 roku. Było to dla mnie ogromne wyróżnienie i potwierdzenie, że zmierzam w dobrym kierunku. 

Jagoda.jpg [119.38 KB]

 

O projekcie

Semestr w Master Ballet Academy. Osiągnięcie doskonałości w sztuce baletu poprzez intensywną pracę i wszechstronne szkolenie w Master Ballet Academy. Propagowanie sztuki baletu poprzez aktywny udział w prezentacjach i wydarzeniach kulturalnych oraz regularne tworzenie i udostępnianie treści na Instagramie. Wykorzystanie popularności Master Ballet Academy w mediach społecznościowych w celu wsparcia własnego rozwoju i promocji sztuki baletu. Rozpoczęcie zajęć w Master Ballet Academy. 

- Codzienne treningi baletowe. 

- Praca nad techniką, wyrazem ciała i interpretacją. 

- Rozpoczęcie regularnych publikacji na Instagramie, dokumentujących codzienne życie w akademii. 

Kowalski Mateusz

Mateusz Kowalski jest jednym z najwybitniejszych gitarzystów młodego pokolenia, według Classical Guitar Magazine muzykiem „spektakularnym”, który rozległy repertuar od renesansu do współczesności wykonuje z niezwykłym znawstwem i wyczuciem stylu oraz z wielką kulturą muzyczną. Występował w tak ważnych salach, jak wiedeński Musikverein czy Shanghai Grand Theatre, koncertowal m.in. w Nowym Jorku, Los Angeles, Paryżu, Budapeszcie, Londynie; w 2019 roku wykonał słynne Concierto de Aranjuez z Orkiestrą Filharmonii Narodowej w Warszawie. Jest zwycięzcą prestiżowych konkursów w Antony (Paryż) i 2nd EuroStrings International Competition (2019, Londyn). W 2019 roku ukazała się debiutancka płyta artysty wydana przez firmę CD Accord z utworami Bacha, Giulianiego, Tárregi, Barriosa, Piazzolli, Ponce’a oraz Assad’a i Schuberta. Na początku roku 2021 miała miejsce premiera jego drugiej płyty „Polish Romantic Guitar” – nagrania są efektem współpracy z Narodowym Instytutem Fryderyka Chopina. 

Kowalski.jpg [139.51 KB]

 

O projekcie

Przedmiotem projekt jest nagranie (audio + video) i wydanie płyty z nowym koncertem gitarowym oraz koncertem potrójnym „The Elements” na gitarę, perkusję, wiolonczelę i orkiestrę gitarową autorstwa Marka Pasiecznego z Mateuszem Kowalskim w roli solisty. Planowany pierwszy etap projektu to (do 1 września 2024) - zamówienie kompozytorskie nowego koncertu gitarowego (gitara + orkiestra symfoniczna) u jednego z najwybitniejszych współczesnych kompozytorów - Marka Pasiecznego. Drugim (do 31 października 2024) będzie nagranie obydwu kompozycji w Sali koncertowej oraz w Studiu koncertowym Uniwersytetu Muzycznego Fryderyka Chopina w Warszawie. Ostatni planowany etap przedsięwzięcia (do 31 grudnia 2024) ma być wydanie płyty przez wydawnictwo zdobywające w ostatnich latach liczne laury (Fryderyki) – Chopin University Press.

Krupiński Łukasz

Łukasz Krupiński - zwycięzca 7. Międzynarodowego Konkursu Pianistycznego w San Marino oraz  zdobywca wszystkich nagród specjalnych: Nagrody Publiczności, Nagrody Krytyków Muzycznych i  Nagrody za najlepsze wykonanie koncertu z Orkiestrą. Finalista Międzynarodowego Konkursu Ferruccio Busoniego w Bolzano oraz zdobywca pierwszych nagród na Międzynarodowych Konkursach Pianistycznych w Hanowerze, Aachen, Goerlitz oraz Yamaha Music Foundation of Europe. W 2015 roku, będąc półfinalistą, znalazł się w prestiżowym gronie dwudziestu najlepszych pianistów XVII Międzynarodowego Konkursu Pianistycznego im. Fryderyka Chopina w Warszawie.  Jego debiutancka płyta Espressione" została nominowana do nagrody International Classical Music Awards 2018 obok płyt Krystiana Zimermana i Evgeny Kissina oraz zdobyła doskonałe recenzje m.in. w Pizzicato Magazine, MDR Kultur, Radio Luxemburg, Radio France oraz Gramophone. 
Krupinski.jpg [45.50 KB]

 

O projekcie

Kiedy kilka lat temu po raz pierwszy otworzył partyturę I Koncertu fortepianowego Johannesa Brahmsa, od razu poczuł, że to koncert dla niego. Jest w nim kwintesencja najwyższego poziomu pianistyki, bogate emocje i ten niezwykły element wzruszenia, który niejednego słuchacza wprawia w magiczny zachwyt. Debiutował koncertem Brahmsa w Warszawie z orkiestrą ze Stanów  Zjednoczonych „The Orchestra of the Americas” pod batutą ukraińsko-amerykańskiego dyrygenta Hobarta Eberle i od tego czasu wielkim marzeniem Łukasza było nagrać ten koncert z towarzyszeniem wielkiej orkiestry symfonicznej. Do udziału w projekcie i nagraniu płyty chce zaprosić Polską Orkiestrę Radiową pod batutą wybitnego włoskiego dyrygenta Antonio Pappano. Przyświeca mu również idea promocji kameralnych dzieł ś.p. Krzysztofa Pendereckiego, które wraz ze znakomitą hiszpańską skrzypaczką Leticią Moreno i wiolonczelistą mieszkającym w Berlinie Claudio Bohorquezem miał już przyjemność wspólnie wykonywać.

Lucy Brown Music

Lucy Brown, charyzmatyczna skrzypaczka, improwizatorka i kompozytorka. Liderka zespołu “Lucy Brown Quartet” jak również członkini improwizatorskich kolektywów “Myszkowski | Brown”, “Wrocławska Orkiestra Improwizowana” czy trio “Brown | Derej | Żydek”. W 2024 roku kończy studia licencjackie na Wydziale Jazzu i Muzyki Rozrywkowej Akademii Muzycznej w Katowicach. Tworzy muzykę jazzowo-ilustracyjną jak i inspirowaną współczesną muzyką klasyczną. Jej utwory charakteryzuje przestrzeń i liryzm, a także odwaga i ekspresja. Olbrzymią inspiracją jest dla niej muzyka Skandynawii. Czerpie również z bogactwa muzyki klasycznej oraz polskiego folkloru. Stale poszerza swoje horyzonty kompozytorskie, jak i dorobek twórczy. Poprzez swoją muzykę pragnie przekazać słuchaczom szczególnie ważne dla niej wartości: otwartość, szczerość i wdzięczność. Współtworzyła muzykę do spektakli improwizowanych grupy teatralnej “Bez Puenty Improoraz “Impro Silesia”, a także współpracowała z rockowym zespołem "Polimorfizm". 
Lucy.jpg [228.13 KB]

 

O projekcie

Wydanie autorskiej płyty zespołu Lucy Brown Quintet z udziałem muzyków ze Skandynawii. Moim marzeniem jest zaproszenie do mojego zespołu muzyków z Norwegii i nagranie z nimi mojej autorskiej muzyki jazzowej. Jednym z gości, których najbardziej chciałabym zaprosić jest Mathias Eick - wybitny norweski trębacz, który jest dla mnie olbrzymią inspiracją twórczą. Cudownie byłoby móc zaprosić go do tego projektu i stworzyć razem dzieło będące międzynarodową wymianą artystyczną. 

Malik Bartłomiej

W trakcie studiów na Wydziale Fizyki Uniwersytetu Warszawskiego związałem się ze studenckim ruchem teatralnym: występowałem jako aktor w akademickim Teatrze Hybrydy UW (m. in. "Dziady - Widowisko" w reżyserii Grzegorza Suskiego). Przełomowym wydarzeniem był dla mnie udział w zajęciach z Ekologii Teatru prowadzonych przez Włodzimierza Staniewskiego na Wydziale Artes Liberales UW w roku akademickim 2014/2015. Od tego czasu uczestniczyłem w licznych wydarzeniach i warsztatach organizowanych w Ośrodku Praktyk Teatralnych GARDZIENICE. W 2017 roku ukończyłem LART STUDIO - szkołę aktorską w Krakowie. Spektakl dyplomowy: "Wesele" Stanisława Wyspiańskiego reżyserowała Patrycja Durska. Wystąpiłem w roli Poety, pełniłem także funkcję asystenta reżysera. W roku akademickim 2018/2019 przez dwa semestry uczęszczałem jako wolny słuchacz na zajęcia prof. Grzegorza Chrapkiewicza na Wydziale Aktorskim Akademii Teatralnej im. Aleksandra Zelwerowicza w Warszawie.  
Malik.jpg [180.88 KB]

 

O projekcie

Projekt zakłada realizację prapremiery autorskiego spektaklu "Mesjasze", opartego na tekstach i życiu A. Mickiewicza, J. Słowackiego oraz C.K. Norwida, przygotowanego z wykorzystaniem technik teatru dokumentalnego. Projekt wychodzić ma naprzeciw niepokojom i obawom coraz większej  rzeszy Polaków, związanym z poczuciem zagrożenia konfliktem zbrojnym - szukając jeśli nie lekarstwa, to przynajmniej złagodzenia naszego lęku w sztuce. A mamy w tym względzie bogate tradycje, gdyż cały XIX i XX wiek przepełniony był hekatombami i walką narodowowyzwoleńczą. Punktem wyjścia idei spektaklu są rozliczające młodzieńczy idealizm rozważania zawarte w książce „Mesjasze” György Spiró. Inspirując się dokonaniami teatru Krystiana Lupy posłużymy się  narzędziamipsychologii analitycznej C. G. Junga, aby prześledzić sposób w jaki polski duch narodowy przejawiał się w utworach polskich klasyków epoki romantyzmu. Ideę Polskości potraktujemy jako jungowski archetyp. Spektakl będzie kalejdoskopem wybranych scen z twórczości J. Słowackiego, A. Mickiewicza, Z. Krasińskiego oraz C.K. Norwida. 

Mystkowska Katarzyna

Od wczesnego dzieciństwa zainteresowana twórczością artystyczną. Aktywnie brała udział w konkursach plastycznych od przedszkolapo dzień dzisiejszy. Pochodzi z rodziny pełnej twórczych osobowości. Ojciec Jarosław Mystkowski tworzy muzykę na saksofonie. Mama Ewa Mystkowska rysuje oraz gra na gitarze. Wujek Jacenty Mystkowski jest rzeźbiarzem i artystą plastykiem. Kuzynka Marta Mystkowska jest malarką. Swoją naukę umiejętności plastycznych kontynuowała w Liceum Plastycznym im. Artura Grottgera w Supraślu w latach 2016-2020. Ukończyła szkołę na kierunku Realizacje Intermedialne z wyróżnieniem za film dyplomowy „Biegun”. Podczas nauki zdobywała osiągnięcia w wielu ogólnopolskich konkursach oraz wystawach (szczegółowe informacje odnośnie osiągnięć w załączniku „autoprezentacja”). Od 2023 roku studiuje w Akademii Teatralnej im. Aleksandra Zelwerowicza w Warszawie filia w Białymstoku na kierunku Technologia Teatru Lalek. Poszukuje artystycznych form wyrazu w dziedzinach takich jak malarstwo, rysunek, rzeźba, operowanie światłem i muzyką. 
Mystkowska.jpg [120.66 KB]

 

O projekcie

Moim projektem, który pragnę zrealizować jest spektakl inspirowany opowiadaniem „Rybak i jego dusza” Oscara Wilde’a. Będzie to opowieść opisująca podróż, którą jest miłość dwojga istot. Spektakl poruszać będzie temat poszukiwanie siebie samego a także człowieczej bliskości w obcowaniu z drugą istotą. Będziemy mogli tu także podróżować po zagadnieniach natury ludzkiej. Pragnę poruszyć aspekt tego kim jesteśmy, tego jak nasza percepcja wpływa na rzeczywistość. Zadam pytania, na które każdy widz będzie mógł udzielić własnej odpowiedzi. Spektakl będzie bez słów, opierał się będzie na grze światła, dźwiękach muzyki, projekcjach filmowych oraz ciekawych rozwiązaniach scenograficznych. Spektakl dałby mi ogromną przestrzeń na moją wyobraźnię, w której oniryzm przeplata się z tym co namacalne. Cały projekt jest bliski mojemu sercu. Moją intencją jest podzielenie się z publicznością osobistą refleksją na temat świata, który nas otacza. Uważam, że całe przesłanie będzie uniwersalne i może trafić w nie jedno ludzkie serce. 

Niedziółka Wojciech

Wojciech Niedziółka – jeden z najwybitniejszych polskich skrzypków młodego pokolenia. Urodził się w 2003 rokuw Warszawie, obecnie studiuje na Akademii Muzycznej im. Grażyny i Kiejstuta Bacewiczów w Łodzi, w klasie skrzypiec prof. Łukasza Błaszczyka. W 2016 roku ukończył Państwową Szkołę Muzyczną im. Karola Kurpińskiego w Warszawie w klasie skrzypiec prof. Anny Rzymyszkiewicz, a w 2022 roku został absolwentem Ogólnokształcącej Szkoły Muzycznej II st. im. Karola Szymanowskiego w Warszawie, pod kierunkiem prof. Łukasza Błaszczyka. Jest laureatem Nagrody dla Najwyżej Sklasyfikowanego Polaka XVI Międzynarodowego Konkursu Skrzypcowego im. Henryka Wieniawskiego w Poznaniu. W 2023 roku otrzymał Nagrodę „Koryfeusz Muzyki Polskiej” w kategorii „Odkrycie Roku”. Zdobywał też czołowe nagrody na wielu prestiżowych konkursach muzycznych organizowanych w kraju i za granicą. Regularnie koncertuje jako solista i kameralista w cenionych salach koncertowych i salonach muzycznych. 
Niedziołka.jpg [127.79 KB]

 

O projekcie

Muzyk, aby się rozwijać potrzebuje instrumentu, który będzie mu w tym rozwoju pomagał. W Polsce niestety jest duży problem z dostępnością skrzypiec najwyższej klasy. Granie na instrumencie zrobionym przez któregoś z największych mistrzów lutnictwa niesie za sobą bardzo wiele znaczących korzyści. Przede wszystkim, muzyk ma do dyspozycji “narzędzie” które w żaden sposób go nie ogranicza, ale jest ogromną pomocą w niemal każdym aspekcie gry - od techniki po kwestie interpretacyjne. Użytkowanie takiego instrumentu znacznie podnosi także prestiż muzyka oraz buduje jego markę. Wiele osób przychodzi na koncerty, żeby usłyszeć instrument wykonany przez Stradivariego, Guarneriego, Amatiego, Vuillaume’a czy innego z wielkich mistrzów. W Polsce dostępność takich skrzypiec jest praktycznie zerowa. Koszt wypożyczenia takich skrzypiec waha się od 400 do nawet 1200 Franków Szwajcarskich miesięcznie. 

Nienartowicz Natalia

Natalia od wielu lat interesuje się modelowaniem komputerowym, elektroniką i astronomią. Łączy wszystkie te pasje - projektuje i buduje roboty, sondy kosmiczne, udziela się w kołach naukowych, startuje w międzynarodowych zawodach. Od pół roku realizuje na własną rękę działania w dziedzinie muzyki. Nagrała dwa single „Nowe Dni” oraz „Srebrzyste Obłoki”. Jej celem jest stworzenie całego albumu, ponieważ piosenek jest więcej i tylko czekają na to aby zostać nagrane. Natalia pisze utwory samodzielnie, jest jedyną autorką tekstów, a jej pomysły i kreatywność się nie kończą. W obszarze muzyki stawia swoje pierwsze kroki, ale może pochwalić się swoimi naukowymi osiągnięciami: II miejscem w międzynarodowym konkursie CanSat Competition United States 2022 organizowanym przez Amerykańskie Towarzystwo Astronautyczne, przy wsparciu NASA oraz II miejsce w międzynarodowym konkursie CanSat in Europe 2021 na szczeblu krajowym, organizowanym przez Centrum Nauki Kopernik.
Nienatrowicz.jpg [268.78 KB]

 

O projekcie

Projekt Natalii to stworzenie albumu zawierającego 8 utworów z teledyskami. Obejmuje to współpracę z profesjonalnym studiem nagraniowym. Do tej pory Natalia działała na własną rękę, próbując spełnić swoje marzenie nagrała już dwa single - „Nowe Dni” i „Srebrzyste Obłoki”. Aktualnie teledyski tworzy i montuje samodzielnie, podobnie jak film który przedstawia jej pomysł w programie VeloTalent. Do realizacji projektu, szczególnie ważna i przydatna będzie pomoc VeloBanku w zakresie opisanych w materiałach promocyjnych szkoleń, kursów oraz profesjonalnych sesji fotograficznych. Pierwszym etapem projektu Natalii Nienartowicz będzie współpraca ze studiem muzycznym w celu stworzenia odpowiednich podkładów muzycznych do piosenek. Następnym etapem jest przygotowanie wokalne pod nagrywanie utworu. Po nagraniu piosenki nadchodzi etap w którym tworzy się materiały promocyjne, może to być okładka, zdjęcia promujące piosenkę, a także teledysk. 

Ołdziejewski Patryk

Patryk Ołdziejewski urodził się w 1992 roku w Trzebnicy. Ukończył Akademię Teatralną w Warszawie Filię w Białymstoku, od 2016 roku związany z Teatrem Dramatycznym w Białymstoku. W swoim dorobku teatralnym posiada wiele spotkań z wybitnymi reżyserami m.in. z Henrykiem Talarem, Markiem Gierszałem, Tomaszem Manem, Grzegorzem Chrapkiewiczem, czy Waldemarem Śmigasiewiczem. Poza pracą w teatrze aktor rozwija swoje umiejętności na wielu płaszczyznach. Wystąpił w produkcjach filmowo- serialowych, takich jak „Kruk. Jak tu ciemno” reż. Maciej Pieprzyca, „Klangor 2” reż. Łukasz Kośmicki, „Idź przodem bracie” reż. Maciej Pieprzyca, czy „U Pana Boga w Królowym Moście” reż. Jacek Bromski. Aktor spełnia się jako reżyser tworząc ciekawe wydarzenia, widowiska i spektakle teatralne m.in. „(HashTak) Witkacy” realizowany z grupą SPIDER DEMON MASSACRE, „Wieszcz” - spektakl dla młodzieży realizowany w Operze i Filharmonii Podlaskiej, czy czytanie performatywne „Tak dla (s)pokoju” w Polskim Radiu Białystok. 
Ołdziejewski (2).jpg [89.25 KB]

 

O projekcie

Projekt zakłada nagranie debiutanckiego albumu zawierającego 10 utworów. Wszystkie kompozycje muzyczne należą do Patryka, natomiast teksty pochodzą spośród autorów, którzy bliscy są jego wrażliwości. Oprócz swoich tekstów, Patryk posługuje się dziełami twórców takich jak Krzysztof Puławski (uznany podlaski poeta, pisarz, tłumacz, wykładowca na Białostockim Uniwersytecie), Zbigniew Stryj (wybitny aktor, reżyser, dramaturg, pisarz, poeta), a także sięga po bliskich mu klasyków; Stanisław Ignacy Witkiewicz, Adam Mickiewicz, czy Krzysztof Kami Baczyński. Klimat muzyczny albumu to szeroko pojęta piosenka literacko-aktorska. Ze względu na jego wychowanie na bardach Irlandzkich (Glen Hannsard, Damien Rice), poezji śpiewanej (Stare Dobre Małżeństwo, Wolna Grupa Bukowina), czy ukochanych wykonawcach takich jak; Tom Waits, Eric Clapton, Nick Cave, Lisa Haninngan Patryk planuje na płycie obecność pięknych melodii z ważnym i znaczącym tekstem. 

Owczarek Aleksandra

Aleksandra Owczarek jest absolwentką studiów magisterskich Akademii Muzycznej im. Krzysztofa Pendereckiego w Krakowie w klasie skrzypiec barokowych prof. Sirkki-Liisy Kaakinen-Pilch oraz dra hab. Zbigniewa Pilcha. Obecnie kontynuuje studia podyplomowe. Laureatka Stypendium Twórczego Miasta Krakowa 2024. W zakresie gry solowej oraz kameralnej szkoliła się pod okiem m. in. Antoinette Lohmann, Bruno Cocset, Jorge Jimenez, Rycharda Myrona oraz Aureliusza Golinskiego. Wielokrotnie podczas Dni Bachowskich miała okazję wystąpić jako solistka oraz kameralistka. W 2019 roku wystąpiła z klawesynistką Klaudią Rogałą na Wanda Landowska Festival   w Ruvo di Puglia (Włochy) po zdobyciu grand prix w kategorii duety klawesynowe na konkursie odbywającym się  w ramach festiwalu.  Od 2015 roku czterokrotnie uczestniczyła w Varmia Musica Academia, gdzie udoskonalała swoją grę solową oraz w orkiestrze. Jej pasją jest teatr, a celem artystycznym łączenie sztuk i przełamywanie schematów, dlatego w 2023 założyła STOWARZYSZENIE SYNERGIE, by móc się realizować swoje projekty. 
Owczarek.jpg [102.00 KB]

 

O projekcie

W ramach VeloTalent planowana jest realizacja projektu BIBER|KURPIE - koncertu (nagrania płyty oraz realizacji koncertów) łączącego muzykę barokową wykonywaną zgodnie z zasadami wykonawstwa historycznego oraz muzykę ludową kurpiowską. Celem projektu jest popularyzacja utworów z epoki baroku oraz pieśni kurpiowskich. Całość projektu przewiduje wykonywanie muzyki na instrumentach historycznych pokazując bliskość i podobieństwo wybranej muzyki barokowej z muzyką ludową. Bogate instrumentarium historyczne ma dać nowe, świeże wykonanie H.I.F. Bibera oraz stworzyć niepowtarzalny i unikatowy klimat w aranżach Zofii Marzec-Madziar oraz Aleksandry Owczarek. Dzięki temu lokalny patriotyzm może pobudzić publikę na większą skalę stwarzając warunki do dumy z przynależności do ojczyzny. 

Paulski Jakub

Jakub Paulski (ur. 1989) jest gitarzystą jazzowym oraz kompozytorem. Głównym polem działalności artystycznej muzyka są autorskie zespoły, dla których komponuje muzykę, których jest liderem i założycielem. Owe zespoły to m.in.: Jakub Paulski Trio, JP Collective, Space Welders. Artysta współtworzy także zespół Paulski/Białowolski Quartet, z którym wydał płytę „Pick Yourself Up” w roku 2019. Na początku października 2020, artysta wydał płytę „Preludium” z zespołem Jakub Paulski Trio, której międzynarodowa premiera odbyła się podczas 2nd More & Jazz Festiwal w Chorwacji. Co więcej, w latach 2019-2021 zespół wystąpił m.in. w prestiżowej Sali NOSPR, Scenie Muzycznej TVP Kultura, 23 oraz 25 edycji festiwalu Jazz Jantar, 16 edycji festiwalu Jazz w Ruinach, festiwalu Jazztrzębie oraz 15 edycji Fara Music Festival we Włoszech. Gitarzysta jest laureatem licznych międzynarodowych i ogólnopolskich konkursów, między innymi Grand Prix Jazz Juniors 2019 z zespołem Jakub Paulski Trio. 
Paulski.jpg [277.10 KB]

 

O projekcie

Projekt przewiduje realizację premiery płyty „Free’odde” sekstetu JP Collective. Inicjatywa powstała z potrzeby reakcji na obecną trudną sytuację dla artystów parających się gatunkami niszowymi. Poprzez zaplanowane działania związane z premierą Jakub chciałby, przede wszystkim, zainspirować młode pokolenie, dać nadzieję i pokazać konkretne rozwiązania dla twórców. Free” jak „wolność”, „odd” jak „nieregularny”, „ode” jak „pieśń”. Owe trzy hasła są mottem zespołu i motywem przewodnim płyty. Utwory zawierają silne i wciągające melodie, wpisane w wielowątkowe i nieregularne formy utworów. Spajającym ogniwem są charyzmatyczne i energetyczne improwizacje, które wyswobadzają słuchacza z objęć harmonii i prowadzą w nowe rejony w ramach narracji płyty. Składa się ona z 8 utworów autorstwa Jakuba Paulskiego. Praca nad płytą trwała 5 lat – począwszy od napisania utworów, poprzez zebranie i zgranie zespołu, skończywszy na zarejestrowaniu oraz zmiksowaniu dźwięku.

Polish Violin Duo

Polish Violin Duo tworzą skrzypkowie Marta Gidaszewska oraz Robert Łaguniak. Zespół powstał w 2014 roku. Swoje początki miał w Poznańskiej Ogólnokształcącej Szkole Muzycznej II st. im M.  Karłowicza w klasie dr hab. K. Gidaszewskiej. Obecnie Marta jest asystentką w Akademii Muzycznej im. I.J. Paderewskiego w Poznaniu w klasie skrzypiec prof. B. Bryły oraz dr hab. K.  Gidaszewskiej, natomiast Robert jest doktorantem Akademii Muzycznej im. G. i K. Bacewiczów w Łodzi w klasie skrzypiec dr hab. K. Gidaszewskiej. Muzycy są laureatami licznych międzynarodowych i ogólnopolskich konkursów skrzypcowych i kameralnych. Na swoim koncie mają blisko 200 nagród zdobytych na konkursach wykonawczych w Japonii, USA, Estonii, Serbii, Danii, Grecji, Szwecji, Anglii, Francji, Szwajcarii, Austrii, Bośni i Hercegowinie, we Włoszech, na Węgrzech, w Niemczech i w Polsce, gdzie m.in. otrzymali I nagrodę w kategorii „Zespoły kameralne” w I. Międzynarodowym Konkursie Muzyki Polskiej. 

Polish Violin Duo - Press Photo 2 -kopia.jpg [1.46 MB]

 

O projekcie

W ramach projektu, zespół Polish Violin Duo w składzie Marta Gidaszewska i Robert Łaguniak,  odbędzie serię 4 koncertów w Szkołach Muzycznych w Pabianicach, Lesznie, Ostrowie Wielkopolskim i Poznaniu. Przedstawiona zostanie twórczość kompozytorów polskiego pochodzenia wraz z zapowiedzią, przybliżającą ich sylwetki i ciekawostki, a także cechy szczególne wykonywanych utworów. Koncerty zostały zaplanowane zarówno w większych, jak i w mniejszych placówkach, aby dotrzeć również do publiczności, która na co dzień ma bardziej ograniczony dostęp do muzyki klasycznej wykonywanej na żywo. Występy będą prezentować twórczość polskich kompozytorów, od klasycyzmu do współczesności, przedstawiając zarówno dzieła znanych mistrzów, jak i tych zapomnianych oraz utalentowanych kompozytorów współczesnych. Celem projektu jest nie tylko popularyzacja muzyki polskiej, ale także podniesienie świadomości słuchaczy w każdym wieku, w zakresie różnorodności i bogactwa dziedzictwa muzycznego naszego kraju.

Rygiel Natalia

Natalia Rygiel to studentka studiów magisterskich Państwowej Akademii Nauk Stosowanch w Nysie na kierunku wokal jazzowy, licencjatka na specjalizacji realizator dźwięku, uczestniczka 8 edycji The Voice of Poland, laureatka konkursu „Zaśpiewaj z Ewą Farną”. Jest też dwukrotną stypendystką Marszałka Województwa Opolskiego, stypendystką ZAiKS i członkinią nadzwyczajną ZAiKS oraz uczestniczką programu Erasmus+ z profesjonalizacji sektora branży muzycznej i self-managementu. Natalia współtworzy zespół Misscore - laureatów między innymi: głównej nagrody Żubrowiska, KozAll Music Festiwal, nagrody Radia Opole podczas Tarnogrania, nagrody publiczności Gostyńskich Rockowań, Ogólnopolskiego Przeglądu Kapel Gitarowych w Mosinie. Misscore to także półfinaliści trwających obecnie polskich eliminacji do brytyjskiego festiwalu Bloodstock Open Air Metal 2 The Masses, uznani za zjawisko we wrześniowym wydaniu magazynu Teraz Rock. Na rok 2024 z 4 miejscem w plebiscycie „Nadzieja Tu” Teraz Rock. 
Rygiel.jpg [317.21 KB]

 

O projekcie

Celem projektu Natalii jest wydanie fizycznego krążka muzycznego opolskiego (powiat prudnicki) zespołu rockowego Misscore, grającego muzykę z pogranicza rocka, gothic metalu, metalu alternatywnego z elementami elektroniki. Zadanie zakłada wydanie cyfrowe i fizyczne (750 sztuk) płyty długogrającej zespołu pod tytułem eyez crossed, na której znajdzie się 13 autorskich utworów jakie zespół samodzielnie skomponował (lub finalizuje kompozycję), napisał (lub finalizuje) teksty, ale również rejestruje studyjnie, produkuje, zmiksuje i podda masteringowi. Wydanie płyty wiąże się również ze stworzeniem możliwości szeroko zakrojonej kampanii promocyjnej zespołu i jego materiału muzycznego, co uwzględniono w planowanym budżecie zadania. Całe przedsięwzięcie będzie promowane przez partnera zespołu, Stowarzyszenie Opolska Scena Alternatywna. Oficjalna premiera płyty wraz z koncertem odbędzie się u drugiego partnera zespołu Misscore, w Gminnym Ośrodku Kultury w Lubrzy (powiat prudnicki).

Skoczylas Ewa

Jestem studentką II roku Psychologii Stosowanej na Uniwersytecie Jagiellońskim w Krakowie, moje pasje to teatr, pisanie poezji i literatura. W wolnych chwilach chodzę do kin studyjnych i gram na pianinie. Jednak najbardziej pochłania mnie pisanie wierszy i opowiadań. Moja przygoda z poezją zaczęła się trzy lata temu i trwa do dziś w celu wyrażania siebie i swojej wizji świata, co doprowadziło do powstania już aż pięciu tomików poetyckich mojego autorstwa, czekających wydania. Z moich sukcesów mogę nadmienić wyróżnienie w slamie poetyckim zorganizowanym przez stowarzyszenie All in Uj, wygraną pierwszego miejsca w kolejnej edycji slamu oraz III miejsce w XIX ogólnopolskim konkursie na esej "Bruno Schulz - zaproszenie do lektury" organizowanym przez miejską bibliotekę publiczną w Opolu. Moją drugą największą inspiracją są moje sny, które nadają mojej twórczości nutę surrealizmu. Wiersze, które piszę od 3 lat uporządkowałam tematycznie według powtarzających się motywów. snu, miłości, przeżyć psychicznych, uczuć metafizycznych i codzienności. 
Skoczylas.jpg [137.31 KB]

 

O projekcie

Każdy tomik ma swoją nazwę oraz pomysł na okładkę. Pomysły na okładki zrodziły się z zachwytu nad obrazami XX wiecznych artystów, które mogłyby być inspiracją dla osoby projektującej okładkę. Na przykład mój tomik zatytułowany "Pielgrzymi" idealnie współgrałby z rysunkiem Schulza zatytułowanym tak samo. Okładki do tomików mogłyby wykonać moje koleżanki, uczące się na akademii sztuk pięknych. Szacowany koszt wydania jednego tomiku to 3tys złotych, jednak ostateczna cena zależy od wydawnictwa i ilości wydanych egzemplarzy. Wydawnictw, którym mogłabym złożyć ofertę i które wydają tomiki poetyckie jest kilka. Wydawnictwo Miniatura, Wydawnictwo Literackie, Znak, A5, Wydawnictwo EMG oraz Ha!art. Spośród wielu dziedzin sztuk, które miałam okazję wypróbować i praktykować, pisanie wydaje się być dla mnie czymś naturalnym i czymś co najlepiej mi wychodzi, patrząc na pozytywny odbiór słuchaczy na slamach czy innych osób mających okazję zaznajomić się z moją twórczością. 

Smoleń Sebastian

Sebastian Smoleń – kompozytor, aranżer, skrzypek oraz pianista, student Wydziału Jazzu i Muzyki Rozrywkowej Akademii Muzycznej w Katowicach. Występował na scenie z wieloma gwiazdami polskiej sceny muzycznej, m.in. Krzysztofem Cugowskim, Małgorzatą Ostrowską, Kasią Moś, Piotrem Cugowskim czy Markiem Piekarczykiem. W roli muzyka sesyjnego/producenta uczestniczył w Krajowym Festiwalu Piosenki Polskiej w Opolu oraz OFPA, w której przy współpracy z Sargisem Davtyanem zdobył 1 nagrodę. Brał udział w licznych produkcjach audiowizualnych, między innymi w teledysku "Unicorn" prod. Noa Kirel, który zanotował 3 wynik na Eurovision Contest 2023. Laureat licznych konkursów solistycznych oraz zespołowych. Działa jako muzyk sesyjny, mając na koncie dwie gościnne płyty oraz kilkanaście gościnnych singli innych artystów. Pod swoim nazwiskiem wydał sześć singli oraz jedną autorską płytę Parnas Adventures. Aktywnie prowadzi kanał muzyczny YT na którym cyklicznie pojawia się kilka produkcji rocznie. 
Smolen.jpg [193.39 KB]

 

O projekcie

Projekt muzyczny "Echoes of the Polish Highland" to płyta mająca zawierać 8 utworów instrumentalnych (w solowym opracowaniu na fortepian oraz elektronikę), które będą cytować oraz nawiązywać do tematów muzycznych wywodzących się z polskiego folkloru. Album w przeciwieństwie do dominujących w ostatnim czasie na polskim rynku muzycznym standardów ma na celu przedstawienie zupełnie nowego spojrzenia na muzykę tradycyjną. Z uwagi na zaplanowane użycie tytułów anglojęzycznych oraz zastosowanie uniwersalnego na świecie języka muzycznego, główną grupą docelowego albumu mają być wymagający słuchacze zagraniczni, którzy dzięki współczesnemu spojrzeniu na polskie tradycje muzyczne chętniej będą do nich wracać. Głównym argumentem przemawiającym za oryginalnością projektu jest zastosowanie nieregularnych metrów, niekonwencjonalnych przebiegów harmonicznych oraz wyraźne podkreślenie różnic dynamicznych i artykulacyjnych dostosowanych do charakteru aranżacji poszczególnych utworów. 

Smoliński Kacper

Kacper Smoliński jest kompozytorem oraz jednym z nielicznych harmonijkarzy na polskiej i międzynarodowej scenie jazzowej. Ukończył Jazz- Institut Berlin (Universität der Künste Berlin) oraz Akademię Muzyczną w Poznaniu, gdzie studiował w klasie harmonijki jazzowej. Otrzymał wiele nagród indywidualnych, takich jak wyróżnienie na Internationale Jazzwoche Burghausen 2019 oraz drugie miejsce na VIII Międzynarodowym Konkursie Improwizacji Jazzowej w Katowicach w 2017 roku. Jest również współtwórcą docenianego na wielu festiwalach i konkursach zespołu Weezdob Collective, który zdobył m.in. Grand Prix Jazz nad Odrą 2018 oraz Grand Prix Blue Note Jazz Competition 2016. Od 2019 roku nieprzerwanie jest laureatem ankiety JAZZ TOP magazynu Jazz Forum w kategorii instrumentów różnych. W 2022 roku Kacper Smoliński skomponował koncert podwójny na harmonijkę chromatyczną, perkusję i orkiestrę smyczkową. Współpracuje z cenionymi muzykami, takimi jak Leszek Możdżer i zdobywca nagrody Grammy pianista Włodek Pawlik. 
Smolinski.jpg [138.10 KB]

 

O projekcie

Projekt zakłada nagranie oraz wydanie płyty z autorskimi kompozycjami Kacpra Smolińskiego, w których udział weźmie Leszek Możdżer oraz orkiestra Filharmonii im. Mieczysława Karłowicza. Głównym celem projektu jest połączenie nagrań orkiestry kameralnej z nagraniami Leszka Możdżera oraz wcześniej niepublikowanymi nagraniami utworów Kacpra Smolińskiego zrealizowanymi wraz z jego kwartetem w składzie: Kacper Smoliński - harmonijka, Krzysztof Lenczowski - wiolonczela, Bartłomiej Miler -perkusjonalia oraz Tomasz Sołtys – fortepian. 

Sochacka Joanna

Polska pianistka, określana przez krytyków: ona nie tylko gra… ona żyje muzyką” (Sonja Koller, General Anzeiger), jedna z najbardziej obiecujących artystek młodego pokolenia“ (Classical Mag), artystka o hipnotycznej sile i dosadności brzemienia” (Lynn René Bayley, ArtMusic Lounge),  „pianistka o dużej swobodzie i pełnej kontroli” (Agata Kwiecińska, Ruch Muzyczny), Sochacka olśniewająco pokazuje interakcje harmoniczne, zapierającą dech w piersiach dynamikę oraz mnogość niuansów i kolorów.” (Raul da Gama, World Music Report), Joanna Sochacka gra Chopina w najlepszy sposób: jej interpretacje są zarówno oryginalne jak i trafne, kobieta z misją (Ralph Graves, WTJU Virginia). Joanna Sochacka to pianistka niepospolita (…) mnóstwo dzieł czeka na jej odkrycie, na jej ogromny talent(Piotr Grella-Możejko, Tygodnik Śląsk), Sochacka gra z poezją, wyrazistością, ekscytującą pasją i wirtuozerią, przy jednoczesnym zachowaniu intensywności gry”  (Jean Dandresy, Clic Mag). 
Sochacka.jpg [229.80 KB]

 

O projekcie

Projekt Siła Kobiet opiera się na odkrywaniu i prezentowaniu publiczności na całym świecie twórczości kobiet, a przede wszystkim muzyki trzech kompozytorek: Grażyny Bacewicz, Fanny Mendelssohn-Hensel i Vítězslavy Kaprálovej. Każda z tych kompozytorek zasługuje, aby jej kompozycje zostały przedstawione w jak najlepszym świetle i rozpropagowane, gdyż działalność i twórczość kobiet przez stulecia była marginalizowana. Odkrywanie muzyki kobiet i projekt poświęcony tej idei został przez Joannę zapoczątkowany już kilka lat temu - najpierw odkrywała  muzykę Grażyny Bacewicz podczas studiów w Polsce, Austrii i Szwajcarii poprzez wykonywanie jej i wydanie płyty z jej muzyką. Postać Fanny Mendelssohn zafascynowała całkiem niedawno i postanowiłam włączyć do repertuaru jej utwory wykonując je podczas koncertów. Kompozycje Vítězslavy Kaprálovej wykonywała w ramach koncertów poświęconych muzyce kompozytorów pochodzenia żydowskiego, zakazanej przez nazistów i przez to niesłusznie zapomnianej.

Sosnowska Zuzanna

Zuzanna Sosnowska to jedna z najwybitniejszych polskich wiolonczelistek młodego pokolenia, solistka, kameralistka i pedagog. Jest zwyciężczynią (I nagroda ex aequo i 8 nagród specjalnych) X Międzynarodowego Konkursu Wiolonczelowego im. W. Lutosławskiego w Warszawie oraz laureatką ponad 20 nagród na konkursach międzynarodowych w Polsce i za granicą. Wiolonczela otwiera jej drzwi na świat - artystka koncertuje solo, w Sosnowska-Garcías Duo oraz jako członek Tansman Trio w Polsce, Niemczech, Szwajcarii, Austrii, Norwegii, Holandii, Szwecji, Hiszpanii, Chorwacji, Włoszech i Namibii. Wielką satysfakcję sprawiają jej koncerty z czołowymi polskimi i zagranicznymi orkiestrami takimi jak m.in. Orkiestra Filharmonii Narodowej, Orkiestra Polskiego Radia w Warszawie, Orkiestra Opery i Filharmonii Podlaskiej, AUKSO, Orquestra Cambra de Mallorca, Orchestra Nazionale de la RAI w Turynie, Metamorphosen Berlin czy Philharmonisches Orchester der Hansestadt Lübeck. 
Sosnowska.jpg [3.17 MB]

 

O projekcie

Wnioskowany projekt polega na połączeniu sił dwóch dziedzin - technologii oraz sztuki i profesjonalnym uwiecznieniu twórczości i talentu potencjalnego stypendysty. Celem projektu jest upublicznianie twórczości wiolonczelistki, dotarcie do szerokiego grona odbiorców i w atrakcyjny sposób przedstawianie muzyki klasycznej, która staje się z czasem niestety sztuką niszową. Oprócz tego, projekt ten pomoże w budowaniu kariery młodej wiolonczelistki stając się jej wizytówką w internecie, co może wzbudzić zainteresowanie dyrekcji festiwali, filharmonii oraz większych agencji i otworzyć drzwi do nowych sal koncertowych. Projekt ten polega na stworzeniu profesjonalnego nagrania audiowizualnego nietuzinkowego utworu na wiolonczelę z towarzyszeniem fortepianu. Sonata tureckiego kompozytora Fazila Say’a o tytule „4 Cities” jest dziełem wyjątkowym, w którym łączą się wpływy muzyki klasycznej, ludowej, rozrywkowej oraz jazzu.

Świgut Agnieszka

Ukończyła studia na Uniwersytecie Muzycznym Fryderyka Chopina w Warszawie w klasie skrzypiec dr hab. M. Orzechowskiej i prof. J. Kucharskiego. Kontynuowała edukację pod okiem J. Jakimowicz-Jakowicz. Miała okazję pracować pod batutą S. Oramo, A. Manze, Jukka- Pekka Saraste, M. Tilson Thomas, F. Welser-Möst, J. Christophe-Spinosi, K. Canellakis, Ch. Eschenbach, a wraz z nimi koncertować w najbardziej prestiżowych europejskich salach koncertowych. Od 2018 do 2023 r. była skrzypaczką szwedzkiej orkiestry Helsingborgs Symfoniorkester. Od 2023 jest członkiem Królewskiej Opery w Sztokholmie. Koncertowała w Filharmonii Narodowej i Teatrze Wielkim w Warszawie, Royal Concertgebouw, Berlińskiej Filharmonii, Elbphilharmonie w Hamburgu, Die NDR Radiophilharmonie w Hanowerze, Sali Koncertowej Czajkowskiego w Moskwie, Wiedeńskiej Musikverein, Royal Albert Hall, Musikkitalo w Helsinkach, Sali koncertowej KKL w Lucernie, Tonhalle w Zurychu, czy też The Great Hall of the People w Pekinie.

Swigut.jpg [296.28 KB]

 

O projekcie

Przedmiotem projektu Agnieszki Świgut jest nagranie i wydanie albumu „Beyond the Sea” z udziałem własnym przy akompaniamencie swojej siostry, wybitnej pianistki młodego pokolenia, Aleksandry Świgut. W ramach wydawnictwa zaplanowano repertuar: Carl Nielsen Prelude: Poco adagio e con fantasia na skrzypce solo, Carl Nielsen Polka A dur na skrzypce solo, Wilhelm Stenhammar Sonata skrzypcowa a moll op. 19, Wilhelm Stenhammar 2 Romanse sentymentalne op.28, Edvard Grieg Sonata skrzypcowa nr 3 c moll, Einojuhani Rautavaara Notturno e danza na skrzypce i fortepian. Wydawcą albumu zostałaby Polska Agencja Radiowa, zaś nad reżyserią dźwięku czuwał będzie Lech Dudzik. Na projekt złoży się nie tylko proces produkcji albumu, czyli oprócz nagrania oraz montażu i masteringu, także projekt graficzny wydawnictwa, jego dystrybucja i szeroka promocja.

Wawrowska Julia

Julia Wawrowska to polska altowiolistka młodego pokolenia o osiągnięciach międzynarodowych jako solistka oraz kameralistka. Współpracowała między innymi z Lisą Bathiashvili, Sergeyem Malovem czy Karajan Academy der Berliner Philharmoniker. Jej edukacja skupiona na rozwoju solowym oraz kameralnym w Hochschule für Musik Hanns Eisler Berlin pod opieką Waltera Kuessnera oraz na Uniwersytecie Muzycznym Fryderyka Chopina w Warszawie w klasie Katarzyny Budnik odzwierciedla dążenie artystki do doskonalenia swojego rzemiosła w najlepszych instytucjach Europy. Od 2023 roku Julia realizuje program Master Specialised Performance Soloist w Zürcher Hochschule der Kunst w Szwajcarii pod kierunkiem Lawrenca Powera. Jest laureatką międzynarodowych konkursów, z czego do ostatnich osiągnięć należy I Nagroda na Konursie Muzyki Współczesnje ZHdK w Zurichu. Jako solistka zadebiotowała w 2022 roku z Filharmonią Zielono-Górską. Jest stypendystką Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego oraz Deutschland Stipendium. 
Wawrowska.jpg [177.28 KB]

 

O projekcie

Projekt debiutanckiej płyty „Penumbra” stanowi moją artystyczną wizytówkę, będąc pierwszą oficjalną prezentacją mojej osoby jako muzyka klasycznego. Album ma na celu ukazanie różnorodności moich muzycznych inspiracji, łącząc dzieła powstałe w epoce romantyzmu, aż po te skomponowane po pandemii Korona Wirusa, z naciskiem na muzykę XX wieku, która miała kluczowy wpływ na kształtowanie mojej drogi zawodowej i artystycznej tożsamości. Na płycie mają znajdować się między innymi dzieła Grażyny Bacewicz najwybitniejszej polskiej kompozytorki, Witolda Lutosławskiego jednego z najwybitniejszych kompozytorów wszechczasow według Annę Sophie Muter, czy niemieckiego kompozytora Paula Hindemitha, politycznego buntownika z wyboru. 

Wierbiłowicz Monika

Monika Wierbiłowicz ukończyła Akademię Muzyczną im. Ignacego Jana Paderewskiego w Poznaniu na kierunku kompozycja filmowa. Studiowałam również w Conservatorium Maastricht i w HOGENT School of Arts KASK & Conservatorium w Ghent w ramach programu ERASMUS+. Jest również aktywną wokalistką w repertuarze muzyki zarówno rozrywkowej jak i chóralnej. Kształcenie w szkole muzycznej rozpoczęłam w wieku 7 lat i kontynuowałam przez następne 12 lat. Dodatkowo rozpoczęłam naukę śpiewu klasycznego. Po szkole, pomimo decyzji studiowania na kierunku inżynierskim, kontynuowałam pracę nad własnymi utworami fortepianowymi i utworami wokalnymi. Zostałam architektką krajobrazu, lecz postanowiła rozwinąć swoją pasję kreacji przestrzeni w przestrzeń dźwiękową i rozpoczęłam naukę na Akademii Muzycznej. Aktualnie jestem również wokalistką i dyrygentką w Warszawskim Big Bandzie muzyki rozrywkowej i jazzowej „Not Big But Band” i wokalistką i kompozytorką w międzynarodowym zespole „Some Kind Of Groove” reprezentujący fuzję różnych styli od klasyki po alternatywny rock. 

 

Wierbilowicz.jpg [270.43 KB]

 

O projekcie

Nagranie pierwszego albumu zespołu Some Kind Of Groove. Jako kompozytorka z wykształceniem wyższym eksploruję różne style muzyczne. Zespół otworzył przede mną nowy ogromny świat muzyki popularnej i songwritingu, a także kompletnie nową perspektywę kolektywnego komponowania. Chciałabym eksplorować go w gronie ludzi, którzy czują muzykę tak jak ja i są jej w równym stopniu poświęceni. Mam zamiar nagrać z zespołem płytę i torować sobie tym drogę do przyszłych zarobków w zawodzie i pełnej samorealizacji jako aktywnego na scenie artysty. W zakres projektu weszłoby skomponowanie, nagranie i wyprodukowanie 7 nowych utworów wraz z zespołem SKOG w studio nagraniowym NDA w Rzymie. Zespół ma już w swoim dorobku 3 wyprodukowane utwory, które znalazłyby się w albumie. Niestety ze względów finansowych musiałam wrócić do Polski. Jak na razie zespół działa na zasadach projektowych - intensywnych, krótkotrwałych spotkań songwritingowych ze względu na miejsca zamieszkania w innych krajach. Taki styl współpracy jest bardzo efektywny, lecz niestety wymaga dużych nakładów pieniężnych. 

Wrona Antoni

Młody, polski wiolonczelista. Student Uniwersytetu muzycznego im. Fryderyka Chopina w Warszawie pod kierunkiem prof. dr. hab. Tomasza Strahla oraz prof. dr. hab Marcina Zdunika. Laureat programu stypendialnego Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego Młoda Polska 2020, pięciokrotny stypendysta Nagrody Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego za osiągnięcia artystyczne. Koncertował w znamienitych salach koncertowych ze wspaniałymi orkiestrami takimi jak Orkiestra Symfoniczna Filharmonii Narodowej w Warszawie, Narodowa Orkiestra Polskiego Radia w Katowicach, na Sali Balowej Zamku Królewskiego w Warszawie i w wielu innych. Laureat licznych nagród Grand Prix i pierwszych miejsc w wielu konkursach organizowanych w kraju i za granicą. Laureat I miejsca na ogólnopolskim konkursie wiolonczelowym CEA w roku 2019, I miejsca na konkursie wiolonczelowym Jana Vychytila w Pradze w roku 2018, zwycięzca nagrody Grand Prix na V Ogólnopolskim Turnieju Wiolonczeli i Kontrabasu w roku 2024.  

Wrona.jpg [254.57 KB]

 

O projekcie

Projekt, który Państwu przedstawiam to nagranie płyty muzycznej, zawierającej dwa utwory symfoniczne na wiolonczelę z orkiestrą. Nagranie odbędzie się z Sinfonią Iuventus, a zadyryguje i poprowadzi nagranie profesor Maestro Jerzy Maksymiuk. Sala nagrań, to Studio S1 Polskiego Radia na ulicy Woronicza. Płytę wyprodukuje wydawnictwo muzyczne ACCORD CD. Utwory, jakie zostaną nagrane to: Koncert na Wiolonczelę i Orkiestrę Witolda Lutosławskiego i Concerto Grosso na 3 wiolonczele solo i orkiestrę nr. 1 Krzysztofa Pendereckiego. Pierwszy z nich – Koncert wiolonczelowy Witolda Lutosławskiego - to jedno z najlepszych dzieł gatunku aleatoryzmu kontrolowanego – świetnie zinstrumentalizowany koncert, w którym delikatna i barwna wiolonczela, przeciwstawiona jest głośnej, momentami krzykliwej orkiestrze. Drugi z utworów - Concerto Grosso na 3 wiolonczele i orkiestrę Krzysztofa Pendereckiego - to niesamowite nawiązanie stylistyczne do epok baroku, romantyzmu, czy witalizmu. Utwór nietuzinkowy, wyjątkowy i bardzo porywający. Tym bardziej, że wykonuje go 3 solistów. 

Żyża Dominik

Dominik Żyża ur. 14 lipca 2001 r w Bydgoszczy. Edukację artystyczną rozpoczął w wieku 13 lat w Ogólnokształcącej Szkole Sztuk Pięknych im. Leona Wyczółkowskiego w Bydgoszczy. Swoje wiadomości z zakresu historii sztuki miał okazję poszerzać na konkursach i olimpiadach artystycznych. Zdobył tytuł laureata na XLII Olimpiadzie Artystycznej w sekcji historia sztuki w 2018 r. Otrzymał także stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego w 2018 r oraz 2019 r. W trakcie nauki w liceum jego zainteresowania artystyczne skupiły się na projektowaniu ubioru dlatego też w 2020 roku rozpoczął naukę w Akademii Sztuk Pięknych im. Władysława Strzemińskiego w Łodzi na kierunku projektowaniu ubioru, który ukończył w czerwcu 2023 z tytułem licencjata oraz wyróżnieniem. Aktualnie kontynuuje naukę na studiach drugiego stopnia, na kierunku projektowanie ubioru.  W trakcie nauki na ASP zajął się projektowaniem ubioru jak również obuwia i akcesoriów. Pokazywał swoje projekty na licznych wystawach. Pokazywał swoje kolekcję na licznych pokazach m.in. OFF Fashion Kielce 2022. 

Zyza.jpg [311.15 KB]

 

O projekcie

Up-cyclingowa kolekcja ubioru „Jaskółka” inspirowana domem mody Moda Polska oraz wzornictwem okresu PRL-u. Tytuł kolekcji „Jaskółka” nawiązuje do logo domu mody Moda Polska, którego działalność przypadła na lata 1958-1998. Jaskółka Mody Polskiej po dziś dzień pozostaje ważnym symbolem w historii polskiej mody, a która zapoczątkowała ważny dla okresu PRL-u zwrot w stronę zachodnich trendów. Moda Polska od początku swojej działalności stała się wizytówką polskiego wzornictwa, która szybko rozwinęła się w prężnie działającą sieć sklepów handlowych. Kluczową inspiracją dla powstania kolekcji ubioru stanowią archiwalne zdjęcia projektów domu mody Moda Polska, jak chociażby znanych sukni smokingowych, trójwymiarowych swetrów czy folklorystycznych piżam. Kolekcja ubioru „Jaskółka” skupia się na tym, by zapożyczony przez Modę Polską język zachodnich trendów przekierować w stronę twórczej autonomii. Autorską intencją jest to, by z klasycznych projektów wydobyć ich niezależność oraz wzbogacić o polski folklor ludowy oraz PRL-owską estetykę. 

Pierwsza beneficjentka o swoim udziale w VeloTalent

Pierwsza beneficjentka o swoim udziale w VeloTalent

W VeloBanku przykładamy dużą wagę do społecznej odpowiedzialności biznesu i aktywnie angażujemy się w działania, które zmieniają świat wokół nas na lepsze.

VeloTalent to właśnie jedna z takich inicjatyw. Program kierujemy do wyróżniających się postaci z różnych dziedzin kultury, nauki lub sportu, które swoją pasją, zaangażowaniem i determinacją inspirują innych i pokazują wyjątkowy potencjał tkwiący w młodym pokoleniu. Pilotażowa edycja programu VeloTalent wspiera jego pierwszą beneficjentkę nie tylko w realizacji budujących jej karierę projektów, lecz także wyposażając ją w wiedzę z zakresu zarządzania finansami oraz kompetencje niezbędne do kreowania marki osobistej czy zarządzania popularnością. W ramach programu, stypendystka przeszła m. in szkolenia z wystąpień publicznych, stylizacji oraz prowadzenia mediów społecznościowych.

 

Klasyka w mistrzowskim wydaniu

I edycję programu VeloTalent inauguruje mecenat Aleksandry Świgut - utalentowanej pianistki, solistki, kameralistki, doktorki sztuk muzycznych, pedagożki Uniwersytetu Muzycznego Fryderyka Chopina w Warszawie. Zdobywczyni trzech nagród podczas 17. Międzynarodowego Konkursu Pianistycznego im. Edvarda Griega w Bergen oraz innych wyróżnień tej rangi.

W ramach projektu VeloBank sfinansował wydanie płyty z repertuarem Edvarda Griega oraz Fryderyka Chopina w jej wykonaniu. Nagranie zostało zarejestrowane w Cavatina Hall w Bielsko-Białej, z udziałem Orkiestry Akademii Beethovenowskiej, pod kierownictwem maestro Michała Klauzy. Album dostępny jest w serwisach streamingowych, a wykonanie Aleksandry Świgut będzie można usłyszeć również w szeregu kanałów własnych VeloBanku. 

– To dla mnie wielka radość i duże wyróżnienie, że VeloBank pomaga realizować moje marzenia, inaugurując program VeloTalent. Wierzę, że kolejne edycje VeloTalent pomogą wartościowym i utalentowanym młodym ludziom, którzy tak jak ja mają pasję oraz determinację. Czasem brakuje im tylko odpowiedniego wsparcia – podkreśla Aleksandra Świgut

 

Płyty możesz posłuchać na:

yt_logo_mono_light.png [20.77 KB]     spotify     apple_music     tidal     yt_music

 

– Flagowym znakiem VeloBanku jest zwinność technologiczna, natomiast równie ważne jest dla nas dbanie o każdy aspekt ESG, czyli środowiskowy, społeczny i korporacyjny. W tym kontekście zaprojektowaliśmy VeloTalent, w którym stawiamy na wyróżniających się w swoich dziedzinach młodych profesjonalistów, którzy mają już znaczące osiągnięcia na swoim koncie. Szansa jaką daliśmy Aleksandrze Świgut jest odbiciem jej międzynarodowych sukcesów. Celem programu VeloTalent jest zapewnienie beneficjentom eksperckiego wsparcia w drodze na szczyt światowej kariery. Obszarów wymagających opieki jest cały szereg. Począwszy od budowania portfolio – stąd nagranie, którego produkcję sponsorujemy – przez właściwą komunikację, aż po szereg szkoleń, które pozwolą Aleksandrze Świgut na lepsze poznanie i rozumienie świata mediów. VeloTalent to inwestycja. Zależy nam na tym, aby zostawało po niej coś trwałego, inspirującego, zarówno dla uczestników, jak i odbiorców – wskazuje Katarzyna Meissner, dyrektor zarządzająca Obszarem Komunikacji i Marketingu w VeloBanku.

Rok pełen sukcesów

Rok 2023 dla Aleksandry Świgut, beneficjentki pierwszej edycji VeloTalent, był bez wątpienia czasem ciężkiej pracy, ale też wielu sukcesów. W styczniu świętowała swoje urodziny, koncertując z orkiestrą symfoniczną w Filharmonii Szczecińskiej. Kolejne miesiące upływały pod znakiem występów w najbardziej prestiżowych obiektach w Polsce i za granicą.

Wiosną zagrała po raz kolejny ze szwedzką orkiestrą symfoniczną Helsingborg Symphony Orchestra oraz angażowała się w pracę Krajowego Funduszu na rzecz Dzieci, wspierając rozwój muzyczny najmłodszego pokolenia. W połowie roku Aleksandra Świgut zachwycała wirtuozowską grą na fortepianie uczestników koncertów i festiwali w całym kraju, w tym m.in. słuchaczy XXIII Festiwalu Sinfonia Varsovia Swojemu Miastu. W sierpniu brała także udział w Festiwalu Chopin i Jego Europa, a we wrześniu współpracowała przy nagraniu płyty z muzyką polskich kompozytorów wspólnie z Orkiestrą Symfoniczną Filharmonii Opolskiej. Był to też czas wytężonej pracy z zespołem ekspertów VeloBanku, którzy realizowali z Olą program szkoleń z kreowania wizerunku, wystąpień publicznych czy komunikacji w social media.

Pod koniec lata miało miejsce nagranie płyty Aleksandry Świgut „Portraits of Nature” w Cavatina Hall w Bielsku-Białej, czyli kamień milowy pierwszej edycji programu VeloTalent. To tu Chopin i Grieg, w mistrzowskim wykonaniu fortepianowym Oli, połączył się z akompaniamentem Orkiestry Akademii Beethovenowskiej pod batutą Michała Klauzy. Owocem wielu tygodni wytężonej pracy stała się płyta z muzyką klasyczną, którą VeloBank udostępnił bezpłatnie w kanałach streamingowych i na stronie banku dla wszystkich zainteresowanych. Fizyczny nośnik z „Portraits of Nature” jesienią 2023 roku trafił na półki wiodących sklepów muzycznych oraz do sprzedaży internetowej.

Ukoronowaniem roku dla Aleksandry Świgut był występ na podsumowaniu pierwszej edycji VeloTalentu, które odbyło się na deskach Filharmonii Narodowej w Warszawie poprzedzony promocją płyty podczas Polskiego Festiwalu w Melbourne oraz recitalami fortepianowymi w Tokio. Koncert promocyjny oraz płyta z muzyką Edwarda Griega została znakomicie przyjęta przez słuchaczy Filharmonii Łódzkiej w grudniu 2023 roku, a nowy rok 2024 Ola otworzyła debiutem w historycznej sali koncertowej Gewandhaus w Lipsku.  

VeloTalent
VeloTalent
VeloTalent
VeloTalent
VeloTalent
VeloTalent
VeloTalent
VeloTalent
VeloTalent
VeloTalent
VeloTalent
VeloTalent
VeloTalent